Гжель и другие виды росписи: гжельская, городецкая, жостовская, хохломская. Художественная роспись

Гжель и другие виды росписи: гжельская, городецкая, жостовская, хохломская. Художественная роспись

гжельская, городецкая, жостовская, хохломская. Художественная роспись

Еще с древних времен человек обращал внимание на красоту природы. Желание украсить свой примитивный быт и сделать его уютным привело к тому, что жилище стали украшать разными природными элементами. Это были шкура животного под ногами, рисунки на стене, цветные камни, сияющий метал и многое другое. Века спустя стали раскрашивать тарелки, ложки, миски. В каждой области появились свои виды росписи посуды.

Виды стилей

Мастерство украшать свои дома возникло почти одновременно с развитием культуры людей и имеет свои отличительные стороны, свойственные для отдельных областей:

• хохломская роспись;
• Городец;
• Жостово;
• Гжель.

Воображение наших предков не знало границ, но отличия в рисунках все-таки очевидны. Каждая область имеет своеобразный орнамент и почерк.

Возникновение хохломской росписи

Возле старых заволжских лесов подле реки Узолы расположены русские деревни – Хрящи, Кулигино, Семино, Новопокровское, Хохлома. Посуда, расписанная разными золочеными рисунками, берет свое начало именно отсюда.

К сожалению, точно установить начало появления хохломской росписи не удается. Ведь вся посуда изготавливалась из дерева, быстро изнашивалась, выбрасывалась либо кидалась в печь, как обычное полено.

До нашего времени дошли изделия XIX века. Но, судя по историческим бумагам, промысел возник в XVII веке.

Неповторимая техника хохломы — по золотой основе исполняется роспись черной краской и киноварью — встречается в древнерусском искусстве.

Особенности хохломской росписи

У мастеров есть свой секрет, как «озолотить» кухонную утварь. Нехитрый способ покрытия посуды золотом дожил до наших времен:

• оловянным порошком тщательно натирали посуду;
• покрывали олифой;
• нагревали в печи;
• под воздействием высокой температуры олифа желтела, сквозь нее просвечивалось олово, получался эффект золота.

Считается, что этот способ окрашивать посуду принадлежит старообрядцам. Раньше в глухих деревнях было много беглых людей, терпевших гонения за «старую веру». Среди них были мастера иконописцы и книжной миниатюры.

Узоры Хохломы

Недорогую посуду для обихода можно узнать сразу. Она исполнялась специальными штампами из гриба дождевика или фетрового кусочка ткани, узоры получались элементарными, но не теряли своей красоты. На таких изделиях видны многочисленные ромбики, спирали и листики.

Посуду подороже раскрашивали более искусно. Композиции создавались кистью от руки. Тут уже труда гораздо больше. Мастера вырисовывали:

Так создавались расписные ложки, тарелки, кружки и многое другое.

Главные цвета, характерные для хохломской росписи, – красный (киноварь) и черный (сажа). Но чтобы рисунок ожил и расцвел, на изделия добавляли коричневый, зеленый, голубой, оранжевый и желтый оттенки.

Виды росписи

Постепенно из предметов обихода изделия Хохломы стали сувенирными подарками или украшением, причем недешевым.

Существуют основные виды росписи посуды:

1. «Верховая» – на серебристый фон накладывается основная композиция – криуль. Далее к ней добавляют красным и черным цветом капельки, усики, завитки.
2. «Под фон» — вначале вырисовывается силуэт орнамента, а черной краской заполняется фон.

На посуде могут быть самые разные виды орнаментов:

• «Травка» — упор делается на вырисовывании мелких и крупных травинок.
• «Пряник» — внутри шедевра расположена нарисованная геометрическая фигура. Это может быть ромб, квадрат, круг. Его расписывают ягодами, цветами и травой.
• «Кудрина» — на красную или черную основу наносится рисунок в виде золотых листиков и цветков на манер завиточков.

Хохлома — удивительное произведение искусства, несмотря на темные цвета, от нее исходит тепло и радость.

История жостовской росписи

Еще одним из известных видов росписи посуды является жостовская роспись. Славится она тем, что почти два столетия украшают одну вещь – это поднос. Деревня Жостово расположена в Мытищенском районе под Москвой.

В XVIII веке на Урале, где построены металлургические заводы Демидовых (Нижний Тагил, Верх-Нейвинск, Невьянск), возник промысел — металлические расписные подносы.

Рождение такого промысла под Москвой было вызвано некоторыми важными факторами:

• Русским крепостным мастером Худояровым был открыт рецепт «хрустального» лака, он не трескался на меди, дереве и железе.
• Начало производства в Санкт-Петербурге необычной формы подносов с интересными рисунками.
• Открытие в Жостово в 1820-е годы мастерских Ф. Н. Вишнякова. Здесь выпускали лакированные расписные изделия из папье-маше: подносы, шкатулки, табакерки, коробочки, марочницы.

Изделия выполнялись в деревнях под Москвой – Троицком, Новосельцеве, Осташкове. Только в деревне Жостово мастерских насчитывалось 22. Предметы были очень красивыми. На них изображались пейзажи, зимние тройки коней, летние прогулки, чаепития за столом. Но, к сожалению, эти вещицы оказались хрупкими и непрактичными.

Появление жостовских железных подносов

Осип, сын Филипа Вишнякова, решил больше не изготавливать папье-маше, а взялся за производство железных подносов. Как раз возрастал спрос на подносы. Они использовались как для украшения интерьера, так и по прямому назначению. Жостовские подносы были замечены в питейных заведениях, знаменитых чайных домах Москвы, трактирах, гостиницах и купеческих домах. Коллекции испанских и британских королей могут похвастать наличием жостовских подносов.

Спрос рождает предложение, и в 1960 году была основана фабрика жостовской росписи.

Секреты мастерства

Наблюдая за долгим и кропотливым процессом, можно заметить, как мастера и по сей день соблюдают старинную технику выполнения.

• Замалевок. Основа будущего узора. На подготовленную плоскость разведенной краской делают наброски будущего рисунка.
• Танежка. Наносятся цветные тени полупрозрачными красками. Создается видимый объем цветов и возникают теневые участки растений.
• Прокладка цветом. Это самый ответственный этап жостовской послойной росписи. Формируется внешний облик букета, осветляется или затемняется вся композиция, определяются важные мелкие детали.
• Бликовка. Благодаря этому действию появляются объем и свет, хорошо передается совокупность особенностей и настроение.
• Чертежка. Финальная часть работы над изображением. Художник вручную наносит маленькие, но значительные детали.
• Привязка. Букет как бы распространяется под фон изделия. Тонкие стебельки и усики, вырисовываются волшебным образом в единое целое и объединяются с фоном.
• Уборка краев подноса. Борт подноса украшают всевозможными узорами. Без этого работа будет казаться незаконченной.
• Зеркальный блеск. При помощи мелового порошка ладонями затирают поднос до блеска, потом натирают парафином, от этого изделие блестит еще больше.

Жостовские подносы существуют много лет, но среди них нет ни одного, похожего на другой.

Особенности росписи

Фон обычно выбирается черный, в редких случаях красный, синий или зеленый. Художник разрисовывает сразу несколько подносов.

Основным направлением является цветочный букет, в котором поочередно нарисованы небольшого размера полевые цветы и крупные садовые.

Узоры рисуются разведенным в прозрачном лаке или скипидаре золотым порошком или гульфаброй – белой краской, смешанной с лаком, ее присыпают алюминиевой пудрой.

По значению подносы делят на две группы: для украшения интерьера и для бытовых целей.

Городецкая роспись

Относится к одному из русских видов росписи посуды. Городецкая роспись берет свое начало в XIX веке около города Городец в Нижнегорском Заволжье, что на левом берегу Волги. Это древний русский город-крепость. Все началось с прялок, особенностью которых были донце и гребень.

Кареты, барыни, всадники, солдаты, собаки — все это украшало донца прялок. Фигурки вырезались из дерева другой породы и вставлялись в соответствующее отверстие.

Городецкая роспись формировалась 50 лет. Расписывались детские каталки, стулья, короба. Пик развития промысла пришелся на 1990 год.

Мотивы росписи

Самые распространенные элементы городецкой росписи – цветы и животные. От таких изображений веет уютом и покоем.

Расписные ложки, мебель и посуда в городецком радостном стиле освежали и оживляли интерьер.

Цветочная роспись в исполнении самая простая. Выделяют несколько типов орнамента:

• «Букет» — наносится симметрично, присутствует в основном на блюдах или разделочных досках.
• «Гирлянда» — по центру располагаются один или два цветка, от них во все стороны распространяются более мелкие цветики и листики. Таким узором расписывают хлебницы, блюда, шкатулки.
• «Ромб» — вид гирлянды. По центру цветок или несколько, а листики и бутоны по мере приближения к вершинам ромба уменьшаются. И располагаются на воображаемых гранях фигуры. Такими изображениями украшали сундуки, скамейки, шкафы.
• «Цветочная полоса» — осталась еще со времен прялок. Это повторяющийся ленточный узор из цветов одного размера, разбавленных листиками. Украшают объемные изделия.
• «Венок» — похож на «цветочную полосу». Разница в том, что он замыкается по краям крышки или блюда.

В цветочной росписи встречаются изображения птицы и коня. Обычно они нарисованы внутри цветочной гирлянды. Элементы городецкой росписи нашли свое место и в крупных вещах: панно, санях, блюдах и шкатулках.

Изображения могут быть самые разные: лихие всадники, сценки с чаепитием, красивые птицы, симпатичные девушки с собачками, экзотические львы и барсы. Чаще всего встречается гордый конь или воинственный петух.

Способ выполнения

Техника художественной росписи отличается тем, что выполняется прямо на основе из дерева. Основа грунтуется разными цветами – ярко-синим, сочным зеленым, глубоким красным.

Кистью расписывается предмет без предварительного эскиза. Художник меняет нажим кисти: то широким мазком, то кончиком, вырисовывая очередной шедевр.

История Гжели

Один из старинных гончарных районов включает в себя около 30 деревень. Называется он Гжель. Располагается под Москвой у речки Гжелки. В этих местах обнаружены богатейшие залежи глины.

О Гжели упоминается первый раз в письменных документах, датируемых 1339 г. Это была прибыльная волость и являлась собственностью князей и царей.

В XVIII веке Гжель превратилась в российский центр изготовления майолики. Столетие спустя Гжель стала производить полуфаянс, расписанный кобальтом и покрытый прозрачной глазурью. Ближе к XX столетию гжельские мастера выполняют шедевры из тонкого фаянса и фарфора, украшая его растительно-геометрическими узорами.

Тематика рисунка

В расписной посуде Гжели отражаются события, происходящие в городской и деревенской жизни, а также природные явления. Рисунки разделяются на три основных группы:

• Растительная. Здесь вся растительность имеет стилизованный вид с основными чертами. Можно заметить ягодки, травинки, черенки, цветы и листочки.
• Орнаментальные узоры. Оригинальные и стилизованные рисунки, в которых просматривается ассоциация и самовыражение художника. Исполняется он орнаментальными сетками – «усики», «травинки», «капельки», «гребенки» и «жемчужины».
• Сюжетная роспись. Это катания на санях, ярмарки и времена года.

Гжель – это целое стилистическое направление, а не только узоры. Используется в производстве керамики, при оформлении дизайна одежды и интерьера.

Вот таким чудным образом возникают, «как сказочные птицы», и разлетаются по всему земному шару гжельские шедевры. Поэтому синяя птица в гжели является маркой современной росписи.

Основные черты росписи:

• глазурирование поверхности;
• холодный белый фон;
• орнамент в голубых и синих тонах;
• сложный узор или рисунок в народном стиле;
• только ручная работа.

Каждое изделие благодаря ручной росписи — это произведение искусства. Все рисунки неповторимы.

Художественная роспись Гжели

Техника гжель требует определенных навыков. К росписи любой вещицы мастер приступает сразу после обжига. Одна из росписей в стиле гжель называется майоликой, она расписывается «пятицветкой». На белую эмаль, которая является основой, наносился рисунок.

Цвета для росписи раньше брали из солей:

• зеленый – соль меди;
• желтый – соль сурьмы;
• вишневый – марганец;
• синий – кобальт.

Вскоре от этой техники отказались и стали выполнять рисунок кобальтово-синего цвета на белоснежной основе. Для нанесения рисунка требовалось наличие таланта, шпателя, кисти, баночки с окисью кобальта. Именно кобальт дает такой чудный оттенок синего цвета, но только после обжига расписанной посуды, а сама по себе краска черная.

Сначала расписывают изделие, затем его окунают в глазурь и помещают в печь для сушки. Последний этап обжига осуществляется при температуре 1400 градусов. Глазурь превращается в тоненькую, пропускающую свет, пленку, покрывая синий рисунок.

Благодаря атмосфере народного неакадемического искусства, чистоте и самобытности узоров синяя птица гжели удостоилась быть эмблемой гжельского фарфорового завода.

В век технологий и перемен кажется милым расписным вещам нет места, а полюбоваться ими можно только в музеях. Но по сей день в государстве Российском действуют мастерские, сохранившие давние традиции художественной росписи, и продолжают радовать глаз людей, неравнодушных к такому искусству.

виды, техники, узоры и орнаменты

Одно из наиболее ярких явлений русского народного творчества — роспись. Ей украшались различные предметы быта. Каждый без труда сможет назвать хохлому и гжель. Но вот о том, что видов русской народной росписи намного больше, знают немногие. В этой статье будут описаны наиболее известные стили декорирования.

Общая информация

Художественная роспись — это искусство декорирования поверхности при помощи красок. Роспись за недолгий промежуток времени стала частью повседневной жизни человека.

Русские народные стили росписи использовались для декорирования различных изделий. Расписывали как дерево и керамику, так и металл. По этому критерию можно разделить виды росписи на три группы.

1. Основа — дерево. К этому виду искусства относятся:

• Хохлома.
• Городецкая роспись.
• Федоскинская.
• Роспись Северной Двины.
• Прикамская роспись.
• Мезенская.
• Палех.

2. Основа — керамика. К этому виду искусства относится:

3. Основа — металл, который использовался для изготовления подносов. К нему относится:

• Жостовская роспись.

Как можно видеть, наиболее популярна русская народная роспись по дереву. И это вполне понятно.

Самые известные виды русской народной росписи будут описаны ниже. Среди них хохлома, гжель, жостовская и городецкая роспись.

Хохлома

Самая, пожалуй, известная русская народная роспись — хохлома. Уникальна роспись тем, что благодаря специальной обработке в печах изделия не портятся даже от горячей пищи. Таким образом, дерево приобретает свойства керамики.

История

Этот русский народный стиль уходит корнями еще в 17 век в одноименную деревню, которая располагалась в области Нижнего Новгорода. Согласно одной из версий, сама идея хохломского промысла была принесена старообрядцами, которые спасались от гонений за «старую веру». Среди таких людей была немало иконописцев. К началу 18 века это место становится настоящим художественным сокровищем.

В настоящее время хохлома «переехала» в село Семино и город Семенов. Здесь до сих занимаются росписью, но уже в фабричных масштабах.

Элементы русской народной росписи

Красный, черный и золотой — три основные цвета, а желтый и зеленый цвета использовались в качестве дополнительных и в небольшом количестве. Кисти делаются из беличьих хвостов. Именно этот материал дает возможность провести тонкую линию.

Расписывать изделия могут двумя способами. Первый способ — сначала полностью черной краской закрашивается фон, а сверху наносится рисунок. Второй способ — сначала наносится контур орнамента, только после этого закрашивается фон.

Если внимательно посмотреть различные работы, выполненные в стиле хохлома, то можно выделить несколько основных узоров:

• Осочки. Для этого узора нужно легко провести кончиком кисти сверху вниз.
• Травинки. Элемент выглядит как небольшой мазок кистью с плавным утолщением.
• Капельки.
• Усики.
• Завитки.
• Кустик. Рисовался путем комбинаций осочек, травинок, капелек, усиков и завитков. Причем элементы всегда располагались симметрично друг другу.
• Ягодки. В основном рисовали бруснику, смородину, рябину, клубнику или крыжовник.

Технология изготовления

В самом начале создавали деревянную основу. По большей части это были предметы быта: ложки, чаши и так далее. Такая основа называлась «белье». После просушки основу покрывают специально очищенной глиной и оставляют сушить на 7-8 часов. В процессе сушки изделие несколько раз покрывают маслом льняного семени.

Следующий шаг называется «лужение». В изделие втирают алюминиевый порошок специальным тампоном, сделанным из овечьей кожи. После этой процедуры предмет приобретает блеск и готов к росписи.

Гжель

Не менее известная русская народная роспись — гжель, в которой для рисования узоров используются только всевозможные оттенки синего цвета на белом фоне.

История

Название русской народной росписи гжель происходит из района Гжельский куст. Это объединение более 20 деревень в Московской области. Первое упоминание об этом виде русской народной росписи было в 14 веке во время правления Ивана Калиты. Изначально Гжель была цветной, но в 19 веке пришла мода на голландские изразцы и китайский фарфор. Выполнены изделия были в бело-голубых тонах. Вскоре это стало неотъемлемой чертой русского узора.

Основные сюжеты

Центральными героями почти всех изделий, выполненных в стиле гжель, становятся птицы, петухи или цветы. Сюжеты мастера русского узора берут из окружающей их среды. При этом сама роспись и форма изделия не противоречат друг другу, а составляют единое целое, дополняя друг друга.

Технология изготовления

Перед росписью обязательно проверялось качество фарфора. Изделие окуналось в фуксин. Таким образом фарфор окрашивался в розовый цвет, и на нем можно было рассмотреть малейшие трещины.

Как правило, мастера использовали краску на основе кобальта. До обжига изделия она была черная. В работе мастеру нужны были только кисть и краска. Но, используя различные техники, создавалось более 20 оттенков синего.

Жостовская роспись

Жостовская роспись — русский народный промысел, который использовался для декорирования металлических подносов. Существуют они и по сей день в деревне Жостово, которая находится в Московской области.

История

История жостовской росписи начинается в начале 19 века в ряде деревень Троицкой волости. Здесь появлялись первые мастера по росписи лакированных изделий, сделанных в технике папье-маше.

Возникновение привычного жостовского подноса напрямую связано с братьями Вишняковыми. Благодаря их лавке производство подносов увеличилось. Начали появляться первые вещи, сделанные из металла. Они постепенно вытеснили другие поделки из папье-маше.

Основные сюжеты

В жостовской росписи главными персонажами работ являются цветы и растительные орнаменты. Иногда изображают сцены бытовой жизни, пейзажи, сценки гуляний, свадеб и так далее. Но самым распространенным считается изображение букета, который располагается в середине подноса, по краям которого идет мелкий золотой узор. Обычно в букете было несколько довольно больших цветов, окруженных россыпью более мелких.

Технология

Применялись подносы для двух целей: для бытового использования (в качестве подставки под самовар или для подачи пищи) и в качестве элемента интерьера. Материалом для изготовления подноса служит обыкновенное листовое железо. Форма же готового изделия может быть любой: круглой, прямоугольной овальной и т. д. Перед нанесением узора изделие проходит несколько важных этапов:

• Грунтование.
• Шпаклевание.
• Шлифовку.
• Лакировку.

Благодаря этому поверхность подноса становится идеально ровной. Для росписи используются масляные краски. По окончании работы изделие покрывается несколькими слоями бесцветного лака.

Непосредственно сама роспись выполнялась в несколько этапов:

• Этап 1. Фон. На этом этапе выбирается основной цвет. Он будет использоваться в качестве фона. Отдавалось предпочтение черному цвету, но могли использовать белый, красный, синий и т. д.
• Этап 2. Замаленок. На этом этапе делается основа будущего узора. Разбавленной краской мастер наносит очертания будущей композиции в соответствии со своей идеей. После этого подносы отправляют сушить в печь на несколько часов.
• Этап 3. Тенежка. На этом этапе мастер, используя полупрозрачные краски, наносит тени на цветы. Тем самым делая их объемными.
• Этап 4. Прокладка. Это самый ответственный этап. Сейчас мастер начинает уточнять многие детали, высветлять и реализовывать контрастный или же более гармоничный строй своей композиции.
• Этап 5. Бликовка. На этом этапе при помощи бликов появляется свет и больший объем на лепестках цветов. Бликовка нужна для создания настроения и колорита.
• Этап 6. Чертежка. Это последний этап работы над созданием букета. Используя очень тонкую кисть, мастер рисует едва заметные прожилки на листьях растения, делает кружевной край на листочках и семена в центре цветка.
• Этап 7. Привязка. Этот этап является предпоследним в жостовской росписи. Художник рисует тончайшие стебельки, травинки и усики, исходящие от самого букета. Таким образом мастер устанавливает связь между букетом и фоном.
• Этап 8. Уборка. На этом этапе украшается борт подноса. Обычно для этой цели используется геометрический или растительный узор. Стиль уборки зависит от желания мастера. Она может быть достаточно скромной и состоять из одного повторяющегося элемента, а может быть оформлена богато и разнообразно. Если пропустить этот этап, то изделие будет выглядеть незаконченным.

Так можно найти бесконечные варианты схожих мотивов. Но вы никогда не сможете найти точных копий или повторений.

Городецкая роспись

Русская народная городецкая роспись существует с середины 19 века. Яркая и необычная, она служила украшением прялок, мебели, ставней и дверей.

История

Намеки на городецкую роспись можно заметить в резных прялках. В Городце они были уникальны тем, что донце (место, куда садилась пряха) украшалось при помощи особой техники. В углубления вставляли вырезанные из другой породы деревянные фигурки. Всего два вида дерева позволяли городецким мастерам создавать потрясающие произведения искусства. Позже к этому добавилась подкраска.

Во второй половине 19 века потребность на такие изделия возросла, что побудило мастеров отказаться от инкрустации дерева как сложной техники, перейти к простым живописным элементам.

Основные сюжеты

Нижегородская роспись делится на два типа: павловская и городецкая. Ими украшали сундуки, дуги, сани и так далее.

Городецкая русская народная роспись отличается содержательностью. Здесь можно увидеть самые различные сюжеты. По большей части это были ситуации бытового характера. При этом большую часть сюжета отводили под цветочные мотивы. Также можно встретить птиц и животных в роли главных героев росписи. Они могут быть как стилизованные, так и реалистичные. Как правило, изображения были симметричными, при этом животные или птицы смотрели друг на друга.

Для этой росписи характерно использование кругов-подмалевок, спиралей, капель, дуг, скоб, штрихов и точек. При этом последние типы узоров наносятся художником на завершающем этапе, чтобы «оживить» свою работу.

В росписи используется не так много цветов: красный, зеленый, синий и черный. Изображения наносятся на дерево без предварительного рисунка. Узоры наносятся сразу кистью, при этом мастер может использовать как широкие и свободные мазки, так и тончайшие штрихи.

Технология

Для создания росписи используют темперу — краску, которую изготавливают на основе сухих пигментов в виде порошка. При этом она может создаваться как из натуральных материалов, так и из их искусственных аналогов. Иногда используют смешения гуаши с клеем ПВА. Но нужно учитывать, что при высыхании цвет становится белесым. Поэтому перед тем как наносить следующий слой, дают высохнуть предыдущему.

Роспись совершается сразу на деревянной основе. При желании ее грунтуют красной, желтой или черной краской. Будущую композицию можно наметить тонкой линией при помощи простого карандаша. Но художники с большим опытом, как правило, пропускают этот этап и сразу же наносят узор кистью.

После полного высыхания рисунка изделие покрывается прозрачным лаком в несколько слоев, каждый из которых тщательно просушивается. Используют либо масляный лак, который наносится специальным тампоном, либо нитролак, для которого нужна помощь краскопульта. Это обеспечивает ровность и гладкость готового изделия. Такое покрытие нужно, чтобы защитить изделие от химических или механических повреждений.

Русская народная роспись сегодня

Даже в 21 веке роспись не теряет свою актуальность. Расписные изделия — это не просто часть интерьера. Многие из них имеют широкую функциональную нагрузку и активно используются в повседневной жизни. Например, нарезка продуктов на украшенной разделочной доске или же хранение хлеба в хлебнице, которая расписана мастером своего дела, все так же актуальны.

Расписные изделия внесут свой колорит даже в скромное помещение, сделав его уникальным. Но не стоит перегружать квартиру такими вещами, так как многие из них выглядят очень ярко. Будет достаточно двух-трех.

Также разные виды русской народной росписи активно используются для украшения стен, колонн, бордюров и других элементов интерьера. Подобное решение отлично смотрится в детской комнате или на кухне, так так сделает обстановку более яркой и положительной.

Основные виды русской росписи: традиции народности, ритуальные обряды, национальная кухня, история формирования этноса

С давних времен человек привык украшать свой дом, предметы быта и для каждой страны характерно уникальное направление. Россия узнаваема во всем мире, благодаря матрешкам, самоварам, расписным подносам и прочему. Но много ли мы знаем о том, как формировались виды росписи? Какие техники использовались умельцами? Предлагаем окунуться в мир прекрасного и узнать, как русская народная роспись формировалась веками.

Основные виды промысла

Художественной росписью принято называть узоры, нанесенные краской с целью декорирования. И это можно назвать одним из самых старинных видов народного творчества. Первые найденные предметы с элементами росписи относятся к XVIII веку. Доподлинно известно, что расписывать узорами люди умели намного раньше, так как об этом упоминается в старинных летописях.

Игрушки, кухонная утварь, сундуки, сани, да и сама изба – все это лишь малая часть тех предметов, которые украшали народные умельцы. В старину люди были ограничены в путешествиях на дальние расстояния, техника нанесения узоров, состав красок и прочие секреты, которые мастер передавал своим ученикам, оставалась в одном отдельном регионе.

И узнавалась русская старинная роспись, характерная для этой местности, по уникальной манере рисования. Именно такая особенность дала имена всем известным на сегодня направлениям в русском народном творчестве.

В течение долгого времени у человека не было под рукой другого материала кроме дерева, поэтому роспись по дереву стало одним из самых обширных на Руси. Сегодня искусствоведы выделяют следующие школы старинной росписи:

• мезенская;
• хохлома;
• гжельская;
• жостовская;
• федоскинская;
• городецкая;
• палех;
• северодвинская;
• прикамская.

Сегодня все эти виды и школы русской народной росписи существуют, так как есть мастера, которые сумели сохранить старинную манеру и технику. Их товар популярен, часто покупается в качестве подарка или как сувенир на память. А много ли мы знаем об истории, просто покупая красивую вещь?

Городецкая роспись по дереву

В деревнях, расположенных поблизости уездного города Городец Нижегородской губернии, мастерили прялочные донца – один из элементов ручной прялки. На нем сидели во время работы, а по ненадобности донце вешали на стену, поэтому мастера старались его всячески украсить. Знаете ли вы, что по старинному обычаю, сватаясь, жених должен был сломать донце своей невесты, чтобы потом смастерить ей новое.

Для городецкой росписи характерна трехярусная художественная композиция, где первый и нижний ярус занимают сюжетные мотивы, а середина разделена полосой в виде повторяющегося цветочного орнамента. Кони, всадники, барышни, собачки, птицы, деревья, охотники – это главные герои городецкой росписи. Кроме прялочных донец мастера расписывали детские стульчики и каталки.

Первая Мировая едва не поставила под угрозу городецкую роспись по дереву, как и другие виды, так как в живых практически не оставалось мастеров.

В городецкой росписи красным и желтым расписывается основной фон, а уже потом дорисовывают другими цветами узоры. Черным и белым прорабатывают мелкие детали, как бы «оживляя» картину. Для приготовления красок в старину использовали природные минералы, растираемые в порошок. В конце изделие покрывается лаком.

Вернуться к оглавлению 

Палехская роспись на шкатулках

Палехская школа возникла в одноименном поселке Ивановской области. Еще до революции это место настолько славилось своими иконописцами, что их приглашали работать художниками в Новодевичий монастырь, Троице-Сергиеву Лавру. С приходом советской власти религия и иконопись оказались под запретом, поэтому промысел стал угасать.

В начале XIX в. в России появилась мода на изделия из папье-маше. Палехские мастера основали ремесленную артель, которая занималась производством лаковой живописи на формах из папье-маше. Традиционными мотивами были узнаваемые сюжеты из народных сказок, творчества А.С. Пушкина, красивые пейзажи, цветочные мотивы. Это отличает палехскую школу от остальных.

Броши, серьги, коробочки, шкатулки, портсигары и прочие безделушки, выполненные в этой манере, были популярны тогда, но именно палехская шкатулка стала почти синонимом этого вида живописи. Заготовка вначале покрывается фоном – красным или черным лаком.

Благодаря особой манере письма создается эффект трехмерного изображения. Основные характеристики палехской живописи – тщательно прорисованные образы, сочность и насыщенность, отделка сусальным золотом.

Жостовская роспись на подносах

Не все виды росписи на Руси дошли до наших времен. Например, традиция расписывать подносы появилась на Урале, на заводах Демидовых, еще в XVIII в., но сама жостовская роспись возникла лишь спустя сто лет. Основоположниками этого вида принято считать бывших крепостных, братьев Вишняковых, которые открыли художественную мастерскую в деревне Жостово.

Свой товар они продавали в Москве. Братья занимались росписью шкатулок, портсигаров, альбомов, чайников, но именно расписные подносы стали визитной карточкой Жостова. Изготавливаются они следующим образом:

1. Из стали делается заготовка.
2. Все неровности шлифуются и поверхность грунтуется.
3. Далее ее покрывают масляным лаком. Кстати, оригинальный рецепт всегда хранился в секрете, сегодня известно только, что делали его на основе африканской пальмовой смолы.
4. Следующий этап – создание широкой кистью замалевка, общего фона будущей картины. Его наносят краской, разбавленной льняным маслом.
5. В течение нескольких часов изделие обжигают в печи.
6. Далее следует нанесение первичного объема. На профессиональном жаргоне – тенежка.
7. На этапе прокладки орнаменту придают объем, прорисовываются детали.
8. Следующий шаг называется бликовка, при помощи которого создается иллюзия освещенности.
9. На этапе чертежки и привязки художник добавляет мелочи, чтобы объединить отдельные детали рисунка в одно целое.
10. В самом конце художник оформляет бортики подноса и покрывает изделие бесцветным лаком.

Вернуться к оглавлению 

Вятская роспись по дереву

Возникший в Вятской губернии народный промысел, роспись по дереву сундуков, внес очередной вклад в развитие прикладного творчества. Простая и незамысловатая, как будто нарисованная детской рукой, однако за этим скрыт глубокий смысл.

Большинство узоров традиционной вятской росписи имеет символическое для славян значение. Так, круг — знак солнца и жизни, лев – храбрость, птицы – хорошие вести, а изображение Уткоконя (конь главного древнеславянского бога Солнца) наносилось в качестве талисмана.

В процессе росписи мастера использовали заячьи лапки и чеканы (деревянные палочки, на торцах которых были вырезаны разные узоры). Вначале сундук покрывали специальным клеем, который варили из овечьей кожи. Сразу наносили рисунок, а поверх него еще один слой клея.

Вятская роспись наносилась на двери, столбики, перегородки из дерева. Бывало, мастера расписывали сразу несколько сундуков, повторяя каждый раз узор. Они складывались один в один, по принципу русской матрешки.

Хохломская роспись

Самые известные виды росписи по дереву в России существуют многие столетия, причем за все это время техника рисования остается неизменной. Таковой является хохломская роспись на посуде из дерева, появившаяся в Нижегородской губернии.

Для русской хохломы характерна уникальная техника, благодаря которой посуда приобретает золотистый цвет. Изначально поверхность грунтуется и покрывается маслом. Далее втирается алюминиевый порошок, а после росписи красками на изделие наносят лак в несколько слоев, периодически закаливая посуду в печи.

Для хохломской росписи более характерны цветы, ягоды рябины или земляники, но нередко можно встретить изображения птиц, животных и рыб. Основные цвета – красный, черный, золотой и изредка белый, зеленый. Существует два способа нанесения узоров: верховая и под фон.

В первом случае рисунок наносится красками, поверху обработанной порошком болванки. Роспись под фон означает нанесение контуров узора, после чего основной фон окрашивается черным.

Гжельская роспись

Свое имя этот вид росписи получил благодаря селу Гжель, на окраинах которого находились залежи гончарной глины. В этих краях почти все крестьяне были потомственными гончарами, большими знатоками своего ремесла. Изготавливали посуду, глиняные игрушки и статуэтки, изразцы для облицовки печей. В середине XVIII века удалось разработать формулу русского фарфора, основой которого стала гжельская гончарная глина.

Фарфоровые сервизы стали признаком статуса владельца, именно в это время начала формироваться школа гжельской росписи. В основном наносились цветочные сложные орнаменты, использовалась синяя, черная, золотая краски. Изделие покрывали эмалью, разрисовывали и закаливали в печи. В современной Росси удалось сохранить технологию изготовления гжельской росписи.

Вернуться к оглавлению 

Федоскинская лаковая миниатюра

В селе Федоскино и сегодня проживают народные мастера, работающие в этой технике. Начиналось все 200 лет назад, после того как там организовал производство лаковых табакерок из папье-маше купец Коробов. Вначале на крышки клеили гравюры, но после того как предприимчивый делец выписал из-за границы художников-минитюаристов, все изменилось.

Традиционными рисунками для федоскинскойминиатюры считаются сюжеты из крестьянской жизни, чаепития и русская тройка лошадей. На лакированную поверхность, перед расписыванием, наносится светоотражающий материал. Это называется «письмо по сквозному». В конце изделие покрывается бесцветным лаком.

Мезенская роспись

Хохлома, гжель и другие известные росписи появились позже мезенской, именно ее искусствоведы  считают самым первым известным видом народного прикладного творчества. Иногда называется палащельской. Родиной этой школы принято считать деревню Палащелье, рядом с рекой Мезень. Росписью в этом регионе занимались мужчины и передавали свои секреты от отца к сыну.

Основой росписи являются два цвета – кирпично-красный и черный. Из черточек, линий, ромбиков и других простых фигур складывали удивительной красоты орнаменты, но в старину все они имели тайный смысл. Раньше люди верили в магическую силу этих узоров.

Теперь вы знаете, какие были виды народного творчества на Руси и всегда сможете отличить хохломскую от жостовской росписи!

Вернуться к оглавлению 

Гордость русского народа — хохломская роспись: история, разновидности, техника нанесения золотистого орнамента

Хохломская роспись – это искусство, зародившееся в семнадцатом веке в небольших деревушках, расположенных на берегу Волги. Это декоративное оформление изделий из древесины. Отличительная черта промысла – использование золотистого фона, на поверхность которого наносят красные сочные ягоды, изумрудные листья или черный орнамент.

История промысла

Ремесло зародилось во второй половине семнадцатого столетия в поселениях Заволжья. Хохлома – это один из крупнейших центров сбыта, куда местные умельцы привозили свои творения на продажу. Именно он подарил название росписи.

Промысел имеет характерную особенность, благодаря которой его невозможно перепутать с другими направлениями искусства. В хохломе используется золочение поверхностей из дерева и обильное декорирование разнообразным орнаментом. Мастера для создания своих шедевров использовали свободную кистевую манеру. Это позволяло им работать сразу в двух направлениях: фоновая роспись и верховая композиция.

Где находится Хохлома? Населенный пункт раскинул свои просторы в Нижегородской области. На левом берегу Волги располагалось большое количество поселений, жители которых увлекались росписью по дереву. Обитатели Глибино, Шабаши, Хрящи привозили в Хохлому продукцию на продажу.

Многие связывают специфическое окрашивание «под золото» со старообрядцами из Заволжья. Они придерживались «старого вероисповедания» и обычно селились вдали от людской суеты, выбирая глухие лесные чащи.

Среди них было большое количество невероятно талантливых живописцев, которые с помощью тонкого кистевого изображения расписывали иконы и декорировали старинные книги. Обитатели Заволжья считались умелыми мастерами, они преуспели в токарном деле и резьбе по дереву. Соединение двух направлений и способствовало зарождению росписи под хохлому.

Существует несколько красивых легенд относительно зарождения росписи. Одна из них повествует об иконописце Андрее Лоскуте. Когда-то он был вынужден покинуть столицу из-за начавшихся реформ патриарха. Мастер укрылся в глухой чаще и продолжал создавать лики святых, используя традиционную методику.

Однако вскоре патриарху доложили о местонахождении беглеца и рассказали о том, что «наглец» обучает сельское население написанию икон в «старинном» стиле. Чтобы избежать кары и публичного унижения, Лоскута сжег себя в пламени костра. Напоследок бунтарь завещал ученикам сохранить его искусство и умение.

Если верить иной легенде, то в дремучем лесу обитал никому не известный мастер, создававший изделия из хохломы с богатым декором. Иногда он дарил свою продукцию обитателям деревушек, расположенных поблизости. Через некоторое время слава об удивительном умельце дошла до царя.

Тот незамедлительно отправил отряд в чащу и приказа привести «хохломиста» в его палаты. Но мастер отказался быть в подчинении у государя, поэтому опричникам так и не удалось отыскать его в дремучем лесу.

Цвета хохломской росписи

Классические творения промысла уникальны и вызывают неподдельное восхищение. Каким образом мастера, имевшие скудный запас красящих веществ, умудрялись создавать настоящие шедевры. С помощью минимальной палитры они наносили на поверхность волшебные орнаменты и причудливые композиции.

Обязательное использование золотистой основы придавало изделиям богатства и наполняла их удивительной фактурой. Позолоту применяли в качестве фона либо для оформления центральных элементов композиции. Также мастера чаще всего брали черный и красный оттенки. Добавить изображению глубины и многогранности помогало внедрение в рисунок белоснежного цвета или охры.

Крайне редко роспись хохлома наносилась на бирюзовый, изумрудный, оранжевый или красный фон. Главная задача мастера состояла в том, чтобы выразить свою идею с помощью гармонично сочетающихся оттенков, создавая технологичную и невероятно сложную игру мазков.
Вернуться к оглавлению 

Элементы и мотивы хохломской росписи

В промысле различают «верховое» и «фоновое» письмо. В первом варианте умелец создает орнамент на золотистом фоне, используя черные, красные и белые цвета.

На примере хохломской росписи ярко просматривается душа русского народа, уникальная подача, романтичное и слегка наивное восприятие жизни целой нации. Знаменитые «травинки», «колоски», тяга к натюрмортам, где живописцы применяли насыщенные оттенки и с помощью деликатных мазков создавали шедевры.

Так называемая травная роспись характеризуется мотивами «под осоку». Старинный вариант орнамента рисуют с использованием завитков, мазков, ягодок небольшого размера, колосков на серебряном фоне. Из нескольких травинок умельцы создавали образ петушка или курочки, который мирно сидит на веточке в густоте листвы.

«Ягодка» и «листочек» отличаются от предыдущей технологии использованием крупных и жирных мазков. Живописцы создают картину, дополняя ее громоздкими растительными формами. Наибольшей популярностью пользуются орнаменты с гроздьями винограда, ягодками земляники, малины, вишни. Художниками удивительным образом удавалось на россыпь тюльпанов или астр наложить рябину или смородину.

Для создания верховой росписи используют тончайшие и деликатные мазки. Композиция словно наполнена легкостью и воздушностью, кажется будто она источает золотистое сияние. Это простой вариант нанесения красящего вещества, дающий возможность пофантазировать и поменять элементы композиции в процессе работы.

При фоновой росписи сначала создают полотно с контурным рисунком. Затем с помощью черного или красного оттенка маскируют окружающее пространство. Роспись фона – это долгий и трудоемкий процесс. Здесь нет места для фантазии и импровизации. Первоначальную идею мастера необходимо изложить с максимальной точностью.

Техника выполнения хохломской росписи

Подготовленную деревянную заготовку высушивают и с помощью вапы или жидкой глины проводят грунтовку. Изделие сохнет как минимум семь часов. Затем поверхность древесины тщательно обрабатывают олифой. Процедура повторяется от трех до четырех раз на протяжении дня.

Вторым этапом становится лужение. В дерево втирают порошок из алюминия. Процедуру выполняют вручную, используя кожаный тампон. После этого поверхность приобретает блеск и готова к нанесению орнамента.

Для росписи используют только тонкие кисти разного размера. Завершенное изображение подсушивают и покрывают лаком. Последняя стадия – закаливание изделия в печи при температуре плюс сто шестьдесят градусов. Именно на этом этапе на поверхности появляется шикарная плёнка из «золота».

Виды росписи

В восемнадцатом столетии искусство достигло пика популярности, спрос на хохломскую продукцию рос стремительными темпами, а мастерство живописцев совершенствовалось. В эти времена и установились два основных типа росписи – верховая и фоновая.

В первом случае это орнамент из черных и красных оттенков, выполненный на золотистом фоне. Сначала мастер тонкими штрихами прорисовывает ажурный узор, используя один из принципов:

• «Пряник». Стилизованное изображение небесного светила, помещенного в геометрическую фигуру или ограненную окружность. На первый взгляд, методика проста, однако, от солнечного круга было невозможно оторвать взор, насколько гармонично сочетались все элементы орнамента.
• «Травник». Травяной узор, изображение прибрежной осоки или луговых растений.
• «Под ягодку». Роспись с большим количеством листочков, плодов, цветов и стеблей. Они удивительным образом переплетаются между собой.

Хохломская роспись для детей могла быть и фоновой. В этом случае золотистый орнамент наносился на черное или красное полотно. Самая занятная разновидность данного направления – «кудрина» (стилизованное изображение цветов и листьев). Повторяющиеся завитки плавно переходят в причудливый орнамент.
Вернуться к оглавлению 

Посуда и не только

Мастера Заволжья в большом ассортименте производили предметы домашнего обихода: шкатулки, табакерки, столики, шкафчики. На заказ изготавливали золотую хохлому, но цена на подобную продукцию подскакивала до небес. Однако потребителей это не смущало, каждый хотел стать обладателем уникальной росписи.

С девятнадцатого века хохломская игрушка и прочие товары, декорированные красивым орнаментом, стали дорожать. Причина скрывалась в том, что существенно усложнился процесс производства. Умельцы все чаще стали использовать растительный орнамент. Да, они придерживались старинных традиций росписи, но при этом внесли в нее особы стиль письма, который и отличает промысел от иных видов ремесла.

Самое почитаемое направление в хохломе «травное письмо», во второй половине двадцатого столетия живописцы стали использовать особый орнамент. Так и зародились характерные черты промысла.

Постепенно усложнялся колорит узора, штрихи становились тоньше, сюжет обретал определенность. В средней полосе России появились жанры искусства, отдаленно напоминающие хохлому: федоскинские миниатюры и жостовские подносы. Чуть позже заработал завод по созданию керамических изделий под гжель.

В чем отличие хохломской и городецкой росписей

Яркую и насыщенную хохлому практически нереально спутать с иным народным творчеством. Умельцы используют только растительный узор, никаких бытовых сценок или изображений животных. Характерная черта промысла – золотистый фон. Богатые переливы красиво оттеняются ажурными плетением верхового орнамента и крупным деталями красно-черной гаммы при фоновой росписи.

В городецкой росписи вы не встретите золотистых мотивов. Если мастера хохломы применяли минимальную цветовую гамму, то умельцы городецкого промысла не скупились на разнообразные оттенки. Они использовали их в неограниченном количестве, играя с бликами, тенями и переливами.

К тому же в данном искусстве часто изображали быт граждан, народные гуляния и прочие ситуационные сюжет. Мастера хохломы этого избегали.
Вернуться к оглавлению 

Хохлома — что это такое с точки зрения мировой общественности?

В середине девятнадцатого столетия слава о хохломской росписи дошла до заграничных государств. В 1889 году была проведена выставка в столице Франции. Именно она открыла дорогу «золотому искусству» на все мировые континенты. Изделия российского промысла можно было встретить на рынках Индии, Китая, Западной Европы и т.д.

Невероятная популярность продукции заволжских мастеров стала отличным стимулом для дальнейшего развития отрасли. Существенно расширился ассортимент, помимо ложек и чашек в продажу поступили бокалы, кружки, бочонки и т.п. Наибольшим спросом на Западе пользовались братины – посудины огромного размера в виде ладьи с дюжиной ковшиков. Изделие предназначалось для массового пиршества.

Хохлома в песенном жанре

Изобразительное искусство часто гармонично сочетается с иными направлениями творчества. Хохломская роспись история ее развития не стала исключением. Уже на протяжении нескольких лет не теряет популярности песня, посвященная народному промыслу. Ее исполняют сольно или целыми коллективами.

Красивая мелодия, трогательные и проникновенные стихи, не могут оставить равнодушными. К слову, песня «Хохлома» не раз становилась лауреатом музыкальных конкурсов.

Заключение

Старинный русский промысел является обширным пластом российской культуры. Символом хохломской росписи считается огненная Жар-птица. Искусство совершенствовалось на протяжении нескольких веков. Причудливые переплетения известны и любимы не только в нашей стране, но и за ее пределами.

Посмотрите интересный видеосюжет о хохломской росписи.

Вернуться к оглавлению 

О видах русской росписи, и обо всем на свете)

Просматривала сегодня гобелены с цветочными рисунками на черном фоне и задалась вопросом, а на какую русскую роспись они похожи? Подозревала, что на жостовскую. Хотя подозревала интуитивно, т.к. никогда особо не вникала в то, какие виды русских росписей выделяют, и чем они отличаются друг от друга. Да, конечно, Гжель, Хохлома, Палех — на слуху, но все же…

Посмотрев соответствующий материал, получила порцию положительных эмоций с утра, потому что любая русская роспись — такая милая, сочная, эффектная, такая самобытная, что невольно на душе становится приятно-преприятно. И росписи действительно значительно отличаются друг от друга. Вникнув один раз, потом уже трудно будет перепутать виды росписи между собой.

Вот такая замечательная картинка, демонтрирует большинство видов русской росписи на одной схеме

И несмотря на то, что изначально меня интересовала роспись на черном фоне, которая все таки оказалась жостовской, мне так понравились все виды русских росписей, что я поделюсь найденными моментами по самым распространенным и известным из них.

Мезенская роспись по дереву

Мезенская роспись одна из наиболее древних русских художественных промыслов. Её истоки теряются в отдалённых веках первоначального формирования славянских племён.

Предметы густо испещрены дробным узором — звёздами, крестиками, чёрточками, выполненным в два цвета: чёрный — сажа и красный — «земляная краска», охра. Основные мотивы геометрического орнамента — солярные диски, ромбы, кресты — напоминают аналогичные элементы трёхгранно-выемчатой резьбы.

Среди орнаментов — фризы со стилизованными схематичными изображениями коней и оленей, которые начинаются и обрываются на границах предмета. Выполненные чёрной и красной красками, фигурки животных словно возникают из геометрического орнамента. Все изображения очень статичны и лишь благодаря многократному повтору возникает ощущение динамики.

Готовое изделие расписывали по чистому негрунтованному дереву сначала охрой с помощью измочаленной на конце деревянной палочки (тиской), потом пером глухаря или тетерева делали чёрную обводку и кисточкой, сделанной из человеческого волоса наносили узор.

Расписанный предмет покрывали олифой, что предохраняло краску от стирания и придавало изделию золотистый цвет.

Помню, как-то из путешествия по стране я привозила подруге настенные тарелки из Чебоксар, как раз расписанные вот в таком стиле — с конями, птицами.

Они уже много лет висят в ее коллекции настенных тарелок. теперь я знаю, что это была мезенская роспись.

А вот небольшое доказательство того, что я добаралсь до Чебоксар)

А еще в Чебоксарах производят самые вкусные и оригинальные в стране шоколадные конфеты — фабрики АККОНД. Я их поклонница. Я знаю эти конфеты, потому Магнит в нашем городе уже много лет в своем аасортименте имеет конфеты фабрики Акконд, правда всего 2-3 вида в наличии — обычно что-то из — Ломтишки, Отломики, Чоко-Пики, Тортимилка, Добрянка, Рулада. Но даже и 2-3 вида, имеющиеся в наличии, произвели на меня сильное впечатление. А когда я попала в фирменный магазин фабрики в Чебоксарах, и увидела, какое количество конфет и с каими начинками они там производят, я реально поняла, что «счастье есть».

Городецкая роспись — русский народный художественный промысел. Существует с середины XIX века в районе города Городец. Яркая, лаконичная городецкая роспись (жанровые сцены, фигурки коней, петухов, цветочные узоры), выполненная свободным мазком с белой и черной графической обводкой, украшала прялки, мебель, ставни, двери.

Городецкий стиль отличается прежде всего содержательностью. В росписях основное впечатление дают жанровые сцены. Все эти изображения условны по характеру, очень вольны и декоративны по форме, а иногда граничат с шаржем. Это — быт крестьянства, купечества, пышный парад костюмов. Значительное место занимают цветочные мотивы — пышные «розаны», писанные широко и декоративно. Рядом с жанровыми реалистическими мотивами в городецких росписях живут и идеализированные, декоративные образы птиц и животных.

Встречаются экзотические львы и барсы. Особенно часто изображение горячего, сильного коня или петуха в гордой, воинственной позе. Чаще всего это парные изображения, геральдически обращенные друг к другу. Городецкие мастера росписи любят цветы. Они всюду разбросаны на поле росписей веселыми гирляндами и букетами. Там, где позволяет сюжет, мастера охотно пользуются мотивом пышного занавеса, подхваченного шнуром с кистями. Декоративность мотивов подчеркивается декоративностью цвета и приемов. Любимые фоны — ярко-зеленый или напряженный красный, глубокий синий, иногда черный, на котором особенно сочно расплескивается многоцветие Городецкого колорита.

Роспись ведется кистью, без предварительного рисунка, свободным и сочным ударом. Он очень разнообразен — от широкого мазка до тончайшей линии и виртуозного штриха. Работа мастера быстра и экономна. Поэтому она очень обобщена, проста по приемам, свободна в движении кисти.

Не припомню, чтобы я что-то приобретала из городецкой росписи, но в Городце была, о чем могу предоставить соответствующие доказательства)

Жостовская роспись — народный промысел художественной росписи металлических подносов, существующий в деревне Жостово Мытищинского района Московской области.

История Жостово и жостовского промысла восходит к началу XIX века, когда в ряде подмосковных сел и деревень бывшей Троицкой волости (ныне Мытищинский район Московской области) — Жостово, Осташкове, Хлебникове, Троицком и других — возникли мастерские по изготовлению расписных лакированных изделий из папье-маше.

Возникновение жостовского расписного подноса связывается с фамилией братьев Вишняковых. В прейскуранте Вишняковых значилось: «Заведение братьев Вишняковых лакированных металлических подносов, сухарниц, поддонов, из папье-маше шкатулок, портсигаров, чайниц, альбомов и проч.. существует с 1825 г.».

В 1830 г. производство подносов в окрестных селениях увеличилось. Появились первые металлические подносы, украшенные декоративной цветочной росписью. Железные подносы постепенно вытеснили табакерки и другие «бумажные» поделки из мастерских Троицкой волости. Выгодное расположение вблизи столицы обеспечивало промыслу постоянный рынок сбыта и позволяло обходиться без посредничества скупщиков. В Москве же приобретались и все необходимые для производства материалы. Основной мотив жостовской росписи — цветочный букет.

В самобытном искусстве жостовских мастеров реалистическое ощущение живой формы цветов и плодов сочетается с декоративной обобщенностью, родственной русской народной кистевой росписи на сундуках, берестяных туесах, прялках и т. п.

Роспись производится обычно по чёрному фону (иногда по красному, синему, зелёному, серебряному) причем мастер работает сразу над несколькими подносами. Основной мотив росписи — цветочный букет простой композиции, в котором чередуются крупные садовые и мелкие полевые цветы.

По назначению подносы делятся на две группы: для бытовых целей (под самовары, для подачи пищи) и как украшение. По форме подносы бывают круглые, восьмиугольные, комбинированные, прямоугольные, овальные и др.

Ну жостовский поднос был или есть наверное в каждой постсоветской семье. И у нас он был с перестроечных времен, когда денег не было, и предприятия поставляли друг другу продукцию по бартеру. И на предприятие, где работала мама, как-то завезли жостовские подносы, которые выдавались вместо зарплаты.

И именно с жостовской росписью, у меня ассоциируются гобелены, с вытканными цветами и узорами на черном фоне. Хотя конечно среди них есть просто узоры и цветы, не имеющие к жостовской росписи никакого отношения, но все равно это красиво.

Гобелены с вытканными цветами на ферном фоне представлены во втором магазине гобеленов www.livemaster.ru/shaliii

Русские народные росписи: Мезенская, городецкая, жостовская, хохломская. — Искусство

Мезенская роспись по дереву или палащельская роспись — тип росписи домашней утвари — прялок, ковшей, коробов, братин, сложившийся к началу XIX века в низовьях реки Мезень.

Мезенская роспись одна из наиболее древних русских художественных промыслов. Её истоки теряются в отдалённых веках первоначального формирования славянских племён.

Предметы густо испещрены дробным узором — звёздами, крестиками, чёрточками, выполненным в два цвета: чёрный — сажа и красный — «земляная краска», охра. Основные мотивы геометрического орнамента — солярные диски, ромбы, кресты — напоминают аналогичные элементы трёхгранно-выемчатой резьбы.

Среди орнаментов — фризы со стилизованными схематичными изображениями коней и оленей, которые начинаются и обрываются на границах предмета. Выполненные чёрной и красной красками, фигурки животных словно возникают из геометрического орнамента. Все изображения очень статичны и лишь благодаря многократному повтору возникает ощущение динамики. 

Изображения на обратной стороне прялки были менее насыщенны орнаментом, более вольны в сюжете. Здесь можно увидеть по-детскинаивно написанные жанровые сценки: охота, пароход, те же кони, только резвящиеся на воле. 

Готовое изделие расписывали по чистому негрунтованному дереву сначала охрой с помощью измочаленной на конце деревянной палочки (тиской), потом пером глухаря или тетерева делали чёрную обводку и кисточкой, сделанной из человеческого волоса наносили узор.

Расписанный предмет покрывали олифой, что предохраняло краску от стирания и придавало изделию золотистый цвет.

Городецкая роспись — русский народный художественный промысел. Существует с середины XIX века в районе города Городец. Яркая, лаконичная городецкая роспись (жанровые сцены, фигурки коней, петухов, цветочные узоры), выполненная свободным мазком с белой и черной графической обводкой, украшала прялки, мебель, ставни, двери. 

Городецкая роспись держит свое начало от резных городецких прялок, имевших свою особенность: гребень и донце. Для украшения донец городецкие мастера пользовались своеобразной техникой — инкрустацией: фигуры вырезались из дерева другой породы и вставлялись в соответствующее по форме углубление. Вставки, сделанные из темного мореного дуба, рельефно выделяются на светлой поверхности донца. Таким образом, располагая всего двумя оттенками дерева и несложным инструментом, народные умельцы превращали поверхность доски донца в настоящую картину.

Позже мастера для изобразительного богатства стали применять подкраску, яркое сочетание желтого цвета с темным дубом, добавление синего, зеленого, красного цветов делало донце еще более нарядным и красочным. 

Необходимость увеличить производство прядильных донец натолкнуло мастеров на мысль упростить технику декоративного оформления. Со второй половины XIX века сложная и трудоемкая техника инкрустации стала заменяться просто резьбой с подкраской, а с 1870-х годов на Городецких донцах преобладает живописная манера украшения.

В нижегородских росписях можно различить два типа — павловские и городецкие росписи, которыми украшали сундуки, дуги, сани, детскую мебель, донца для прялок и многие мелкие предметы обихода. Городецкий стиль отличается прежде всего содержательностью. В росписях основное впечатление дают жанровые сцены. Все эти изображения условны по характеру, очень вольны и декоративны по форме, а иногда граничат с шаржем. Это — быт крестьянства, купечества, пышный парад костюмов. Значительное место занимают цветочные мотивы — пышные «розаны», писанные широко и декоративно. Рядом с жанровыми реалистическими мотивами в городецких росписях живут и идеализированные, декоративные образы птиц и животных.

Встречаются экзотические львы и барсы. Особенно часто изображение горячего, сильного коня или петуха в гордой, воинственной позе. Чаще всего это парные изображения, геральдически обращенные друг к другу. Городецкие мастера росписи любят цветы. Они всюду разбросаны на поле росписей веселыми гирляндами и букетами. Там, где позволяет сюжет, мастера охотно пользуются мотивом пышного занавеса, подхваченного шнуром с кистями. Декоративность мотивов подчеркивается декоративностью цвета и приемов. Любимые фоны — ярко-зеленый или напряженный красный, глубокий синий, иногда черный, на котором особенно сочно расплескивается многоцветие Городецкого колорита.

Роспись ведется кистью, без предварительного рисунка, свободным и сочным ударом. Он очень разнообразен — от широкого мазка до тончайшей линии и виртуозного штриха. Работа мастера быстра и экономна. Поэтому она очень обобщена, проста по приемам, свободна в движении кисти. 

Жостовская роспись — народный промысел художественной росписи металлических подносов, существующий в деревне Жостово Мытищинского района Московской области.

История Жостово и жостовского промысла восходит к началу XIX века, когда в ряде подмосковных сел и деревень бывшей Троицкой волости (ныне Мытищинский район Московской области) — Жостово, Осташкове, Хлебникове, Троицком и других — возникли мастерские по изготовлению расписных лакированных изделий из папье-маше.

Возникновение жостовского расписного подноса связывается с фамилией братьев Вишняковых. В прейскуранте Вишняковых значилось: «Заведение братьев Вишняковых лакированных металлических подносов, сухарниц, поддонов, из папье-маше шкатулок, портсигаров, чайниц, альбомов и проч.. существует с 1825 г.».

В 1830 г. производство подносов в окрестных селениях увеличилось. Появились первые металлические подносы, украшенные декоративной цветочной росписью. Железные подносы постепенно вытеснили табакерки и другие «бумажные» поделки из мастерских Троицкой волости. Выгодное расположение вблизи столицы обеспечивало промыслу постоянный рынок сбыта и позволяло обходиться без посредничества скупщиков. В Москве же приобретались и все необходимые для производства материалы. Основной мотив жостовской росписи — цветочный букет.

В самобытном искусстве жостовских мастеров реалистическое ощущение живой формы цветов и плодов сочетается с декоративной обобщенностью, родственной русской народной кистевой росписи на сундуках, берестяных туесах, прялках и т. п.

В 1922 г. в деревне Новосельцево возникла «Новосельцевская трудовая артель» по выпуску железных лакированных подносов; в 1924 г. в деревни организовались «Жостовская трудовая артель» и «Спецкустарь»; в 1925 г. — «Лакировщик» и одновременно в селе Троицкое — артель «Свой труд» по росписи подносов. Все они были объединены в 1928 г. в специализированную артель «Металлоподнос» в деревне.

1920 — 1930 — е годы были нелегкими в истории Жостово. Общие для советского искусства тенденции прямолинейного утверждения современности и реализма приводили к тому, что ведавшие народными промыслами организации пытались изменить традиционное направление их развития и внедряли в жостовскую живопись образцы орнаментальных и тематических композиций, созданные художниками — профессионалами без учета специфики местного искусства и несущие черты станковизма и натурализма. Ведущие художники понимали чужеродность подобных новаций самой сущности народного творчества, сумели противостоять им и направить новые идеи на углубление традиционного мастерства. В 1960 — е годы начался новый этап в истории Жостово, продолжающийся и поныне.

Художественная роспись подносов все больше обретала высокий авторитет и популярность не только массовыми изделиями, но и уникальными произведениями ведущих мастеров, все чаще привлекавшими внимание на многочисленных выставках в стране и за рубежом. За свою историю жостовские подносы из бытового предмета стали самостоятельными декоративными панно, а ремесло, служившее некогда подспорьем к земледелию, обрело статус уникального вида русского народного искусства.

Сегодня декоративная роспись находится на подъеме. Жостово подражают, пытаются подделываться под стиль и даже авторские манеры художников. 

Роспись производится обычно по чёрному фону (иногда по красному, синему, зелёному, серебряному) причем мастер работает сразу над несколькими подносами. Основной мотив росписи — цветочный букет простой композиции, в котором чередуются крупные садовые и мелкие полевые цветы.

По назначению подносы делятся на две группы: для бытовых целей (под самовары, для подачи пищи) и как украшение. По форме подносы бывают круглые, восьмиугольные, комбинированные, прямоугольные, овальные и др.

Хохлома — старинный русский народный промысел, родившийся в XVII веке в округе Нижнего Новгорода.

Хохлома представляет собой декоративную роспись деревянной посуды и мебели, выполненную красным, зеленым и чёрным тонами по золотистому фону. На дерево при выполнении росписи наносится не золотой, а серебристый оловянный порошок. После этого изделие покрывается специальным составом и три-четыре раза обрабатывается в печи, чем достигается медово-золотистый цвет, придающий лёгкойдеревянной посуде эффект массивности.

Роспись выглядит ярко, хотя фон чёрный. Используются краски: красная, жёлтая, золотая, оранжевая, зелёная, голубая и чёрный фон. Традиционные элементы Хохломы — красные сочные ягоды рябины и земляники, цветы и ветки. Нередко встречаются птицы, рыбы и звери.

Предполагают, что хохломская роспись возникла в XVII веке на левом берегу Волги, в деревнях Большие и Малые Бездели, Мокушино, Шабаши, Глибино, Хрящи. Деревня Хохлома была крупным центром сбыта,куда свозили готовые изделия, оттуда и пошло название росписи. В настоящее время родиной хохломы считается поселок Ковернино в Нижегородской области.

На сегодняшний момент существует множество версий происхождения хохломской росписи. 

По наиболее распространенной версии, уникальный способ окраски деревянной посуды «под золото» в лесном Заволжье и само рождение хохломского промысла приписывалось старообрядцам.

Еще в давние времена среди жителей местных деревень, надежно укрытых в глухомани лесов, было немало «утеклецов», то есть людей, спасавшихся от гонения за «старую веру».

Среди переселившихся на нижегородскую землю старообрядцев было немало иконописцев, мастеров книжной миниатюры. Они привезли с собой древние иконы и рукописные книги с красочными заставками, принесли тонкое живописное мастерство, каллиграфию свободного кистевого письма и образцы богатейшего растительного орнамента.

В свою очередь, местные мастера отменно владели токарным мастерством, передавали из поколения в поколение навыки изготовления посудных форм, искусство объемной резьбы. На рубеже XVII—XVIII столетий лесное Заволжье стало настоящей художественной сокровищницей. Искусство Хохломы унаследовало от заволжских мастеров «классические формы» токарной посуды, пластику резных форм ковшей, ложек, а от иконописцев — живописную культуру, мастерство «тонкой кисти». И, что не менее важно, секрет изготовления «золотой» посуды без применения золота.

В настоящее время у хохломской росписи два центра — город Семёнов, где находятся фабрики «Хохломская роспись» и «Семёновская роспись», и село Сёмино Ковернинского района, где работает предприятие «Хохломский художник», объединяющее мастеров деревень Ковернинского района: Сёмино, Кулигино, Новопокровское и др. (фабрика находится в д. Сёмино). В данный момент деятельность предприятия сведена практически к нулю. В д. Семино расположено также предприятие, занимающееся 19 лет выпуском деревянных шкатулок с хохломской росписью (ООО «Промысел»).

Как создаются изделия с хохломской росписью? Сначала бьют баклуши, то есть делают грубые бруски-заготовки из дерева. Затем мастер встает за токарный станок, снимает резцом излишек древесины и постепенно придает заготовке нужную форму. Так получается основа — «бельё» (неокрашенные изделия) — резные ковши и ложки, поставцы и чашки.

После сушки «бельё» грунтуют жидкой очищенной глиной — вапой, как её называют мастера. После грунтовки изделие 7-8 часов сушат и обязательно вручную покрывают несколькими слоями олифы (льняного масла). Мастер окунает в миску с олифой специальный тампон, приготовленный из овечьей или телячьей кожи, вывернутой наизнанку, а затем быстро втирает в поверхность изделия, поворачивая его так, чтобы олифа распределялась равномерно. Эта операция очень ответственная. От неё будет в дальнейшем зависеть качество деревянной посуды, прочность росписи. В течение дня изделие покроют олифой 3-4 раза. Последний слой высушат до «небольшого отлипа» — когда олифа слегка прилипает к пальцу, уже не пачкая его.

Следующий этап — «лужение», то есть втирание в поверхность изделия алюминиевого порошка. Выполняют его также вручную тампоном из овечьей кожи. После лужения предметы приобретают красивый бело-зеркальный блеск, и готовы для росписи. В росписи применяются масляные краски. Главные цвета, определяющие характер и узнаваемость хохломской росписи — красный и чёрный (киноварь и сажа), но для оживления узора допускаются и другие — коричневый, светлого тона зелень, жёлтый тон. 

Выделяют роспись «верховую» (когда по закрашенному серебристому фону наносят рисунок (криуль — основная линия композиции, на нее «насаживают» такие элементы как осочки, капельки, усики, завитки т.д.) красным и черным цветом) и «под фон» (сначала намечается контурорнамента, а потом заполняется чёрной краской фон, рисунок листа или цветочка остается золотым). Кроме того, существуют разнообразные виды орнаментов:

• «пряник» — обычно внутри чашки или блюда геометрическая фигура — квадрат или ромб — украшенная травкой, ягодами, цветами;
• «травка» — узор из крупных и мелких травинок;
• «кудрина» — листья и цветы в виде золотых завитков на красном или чёрном фоне.

Используют мастера и упрощённые орнаменты. Например, «крап», который наносят штампиком, вырезанным из пластинок гриба-дождевика, или особым образом свёрнутым кусочком ткани. Все изделия расписываются вручную, причём роспись нигде не повторяется. Какой бы выразительной ни была роспись, пока узор или фон остаются серебристыми, это ещё не настоящая «хохлома».

Расписанные изделия 4-5 раз покрывают специальным лаком и, наконец, закаливают в течение 3-4 часов в печи при температуре +150… +160 °C до образования масляно-лаковой плёнки золотистого цвета. Так получается знаменитая «золотая хохлома».

49 Типы стилей и методов рисования [Обновленный список]

Для определения термина «живопись» —

Википедия определяет «живопись» как

« Метод нанесения краски, пигмента, цвета или другая среда на поверхность. ”

Определение этого слова может показаться простым, но его искусство требует целенаправленной и продолжительной практики.

Со времен древней истории есть люди, которые овладели всем, что нужно для создания шедевра, и оставили после себя наследие, которое до сих пор помнят и лелеют население.

Рисование — это навык, требующий глубокого и интенсивного мышления, которое запускает правую часть вашего мозга, которая, как известно, способствует творческому пониманию.

Каждый мазок, напоминающий движущуюся поэзию, потребовал от художника нескольких лет практики, а каждая цветовая комбинация потребовала нескольких бессонных ночей, чтобы создать картину, которая радует глаз, зрелище, от которого нелегко оторваться.

Для новичка, чтобы овладеть этим навыком, потребуются огромное терпение и настойчивость, чтобы достичь стадии, которую достигли лишь немногие.

Впереди список уникальных стилей живописи и их эволюции от древности до современности.

Картина маслом — наиболее широко известная и распространенная форма живописи из когда-либо существовавших.

Практикуется большинством художников.

Это процесс рисования пигментами, которые смешиваются со слоем олифы, например льняного масла, которое широко использовалось в современную европейскую эпоху.

Широкую известность получили техники масляной живописи.

Спустя несколько лет техника масляной живописи в Европе использовалась больше, чем темпера.

Истоки наибольшего возрождения принадлежат Яну Ван Эйку — североевропейскому художнику 15 века, который изобрел живопись маслом на деревянных опорах.

2. Акварельная живопись:

Это метод, при котором цвета и вода смешиваются, чтобы создать уникальный стиль живописи художников.

Большинство акварелей написано на бумаге.

Акварельные рисунки можно рисовать на других основах, а также на папирусе, бумаге из коры, пластике, коже и дереве.

В Китае рисуют акварельными красками пальцами.

Существуют водорастворимые цветные карандаши, которые можно использовать как влажными, так и сухими.

Альбрехт Дюрер, нарисовавший прекрасную ботаническую, дикую природу и пейзажную акварель, которая считается одним из первых представителей акварели.

3. Пастель :

Пастель обычно представляет собой чистый порошкообразный пигмент, затвердевший в форме стержня.

Пастель — это форма художественного произведения, в которой пастель используется для создания четко очерченной и продуманной картины.

Переплет нейтрального оттенка и низкой насыщенности в пастельных тонах.

Эффекты цветов в пастельной живописи ближе к естественным сухим пигментам, чем к любому другому процессу.

Поверхность пастельных картин обычно хрупкая и легко смазывается, для ее сохранения необходимы защитные меры, такие как обрамление под стекло.

Если он сделан перманентными пигментами и правильно ухаживает, то пастельная живопись может оставаться неизменной на протяжении веков.

4. Акриловая живопись:

Акриловая живопись — это вид художественного произведения, в котором используются акриловые краски, которые отличаются быстротой высыхания на нанесенном носителе.

Состоит из пигментов, взвешенных в акриловой полимерной эмульсии.

Краска растворима в воде, но при высыхании на бумаге становится водостойкой.

В 1934 году компания BASF разработала первую дисперсию акриловой смолы, авторские права на которую принадлежат Rohm and Haas.

Синтетическая краска использовалась в 1940-х годах, сочетая в себе некоторые свойства масла и акварели.

5. Рисунок углем:

Древесный уголь — это форма сухой художественной среды, сделанная из тонко измельченных органических материалов, которые удерживаются вместе с помощью жевательной резинки или воска.

Картины углем часто используются художниками из-за их универсальности.

Придает естественный вид искусству.

Уголь легко удаляется, но может оставлять пятна на бумаге.

Они часто используются для четких и четких подробных рисунков, не позволяя при этом пометить руку пользователя.

Древесный уголь был ключевым элементом наскальной живописи.

Изображение зебры — одно из старейших рисунков, найденных в пещере Аполлона в Намибии.

6. Цветной карандаш:

Чтобы окунуться в ностальгию — мы все помним наши детские книжки-раскраски, и основным методом, которому мы научились и который мы реализовали, были цветных карандашей .

Будучи наиболее упрощенными, существует много новых реализаций, которые изменили слои рисунков цветным карандашом по всему миру.

Они построены из узкого пигментированного ядра, заключенного в деревянный цилиндрический корпус.

Элементы цветных карандашей изготовлены на восковой или масляной основе и состоят из пропорций пигментов и связующих веществ.

Хотя цветные карандаши более широко используются среди детей, они начали завоевывать уважение среди профессиональных художников и художников.

Цветные карандаши, используемые профессиональными художниками, содержат более высокую степень воска и пигмента, чем те, которые используются детьми в школах, что является самым основным качеством цветных карандашей.

Набросок карандашом — это искусство создания четко определенных художественных работ с использованием инструмента, состоящего из графита, заключенного в цилиндрическую деревянную камеру разного качества.

Цилиндрический графитовый носитель или карандаш используются из-за его эффективности и простоты в создании различных глубоко продуманных портретов, графит, который может размазываться на бумаге, дает более высокий потенциал процессу украшения.

Графит добывали в XVI веке, художники использовали кусочки натурального графита, вставленные в порт-мелок («подставку для карандашей»), неизвестную до XVII века.

Ибо голландские художники включают мелкие графитовые детали в эскизы и пейзажи.

В течение того столетия и большей части XVIII века графит использовался для создания предварительных эскизных линий для рисунков, которые должны были быть выполнены на других носителях, но рисунки, полностью законченные графитом, были редкостью.

8. Роспись тушью:

Роспись тушью изготавливается с использованием жидкости, состоящей из пигментов или красителей, и используется для окраски поверхности для создания иллюстраций и произведений искусства.

Чернила используются для рисования пером, кистью или пером.

Рисование тушью кажется волшебным, когда оно написано.

Имеет богатую фактуру на картинах, которые того стоят.

В книгах говорится, что живопись в стиле Шан Шуй существовала во времена китайской династии Лю Сун в пятом веке.

Во времена династии Тан живопись тушью получила дальнейшее развитие.

9. Роспись по стеклу:

Роспись по стеклу — это современное искусство, которое было заимствовано из старинного искусства росписи по стеклу, которое включало соединение небольших цветных кусочков стекла.

В старости это было обычным явлением в окнах или дверях религиозных помещений, а также в церквях и старых зданиях.

Картина на стекле выглядит красиво, когда свет или любое другое освещение проходит через прозрачную среду, результаты просто потрясающие.

10. Шариковая ручка Art:

В середине 20-го века шариковые ручки продемонстрировали свою большую пользу для художников и рисовальщиков.

Любители шариковой ручки находят шариковые ручки чрезвычайно удобными и эффективными для создания произведений искусства.

Они в восторге от скорости , достигаемой с помощью перьев, некоторые художники смешивают различные цвета с перьями, в то время как другие используют шариковую ручку как единый и единственный способ создания искусства.

Низкая стоимость, доступность и портативность воспроизводятся практиками как качества, которые делают этот обычный пишущий инструмент удобным источником искусства.

В 20 веке некоторые известные художники в течение своей карьеры в той или иной степени использовали шариковые ручки.

Энди Уорхол и Альберто Джакометти использовали шариковые очки в своих произведениях в 1950-х годах.

11. Фреска:

Фреска происходит от итальянского слова, которое происходит от латинского слова.

Стиль фрески для тех, кто хочет росписи стен и потолка.

Техника фрески заключается в смешивании краски с водой и нанесении на тонкий слой влажной штукатурки.

Для правильного крепления к стене требуется среда.

В 18 веке Зимри-Лим из Сирии создал старую фреску.

Многие гробницы и дома были расписаны древними египтянами, но эти рисунки не были фресками.

12. Коллаж Живопись:

Это смонтированное художественное произведение с визуальным эффектом.

Коллаж может быть выполнен из кусочков цветной бумаги или ручной работы, лент, с применением красок, журналов и т. Д.

Темы разнообразны и в основном это дешевый вид искусства.

Коллаж — это, по сути, совокупность различных произведений искусства в единое целое, что является визуальной привлекательностью, которую он изображает.

Приемы коллажа были впервые применены во времена изобретения бумаги в Китае, примерно в 200 г. до н.э.

Многие люди не использовали коллаж до 10 века в Японии, когда каллиграфы начали применять клееную бумагу, используя тексты на поверхностях, при написании своих стихов.

13. Рисование песком:

Навык рисования песком — это способность заливать песок или другие цветные пигменты, собранные из различных источников, для создания фиксированной или нефиксированной формы произведения искусства.

Песочная живопись имеет различные формы, но форма искусства, которая в основном практикуется и известна населению, — это быстрые удары песком, выливаемые на заданную поверхность, для создания иллюстраций, которые не являются постоянными и могут быть изменены по желанию художника.

В этом типе окраски очень важна скорость управления.

Он очень уникален, чем другие. Это требует большого терпения и может быть утомительным.

Художники коренных американцев Юго-Запада рисуют на земле хогана, где происходит церемония, или на оленьей шкуре или тканевом брезенте, позволяя цветному песку течь сквозь его пальцы с контролем и мастерством.

14. Окрашивание распылением:

При покраске распылением аэрозольная краска выходит из баллона под давлением, управляя им с помощью клапана.

В 1880-х годах распыление краски сжатым воздухом использовалось еще на Южно-Тихоокеанской железной дороге.

Часть поверхности, на которую необходимо нанести определенный цвет, остается открытой, в то время как другие части закрываются.

Это сделано для того, чтобы цвет не распространился на другие части картины.

15. Энкаустическая окраска:

Энкаустическая живопись хорошо известна как окраска горячим воском, при которой пчелиный воск обычно нагревается с помощью цветных пигментов.

Самую простую энкаустическую смесь можно приготовить, добавив в пчелиный воск цветные пигменты.

Затем жидкую смесь распределяют по поверхности дерева или других материалов.

Этот вид покраски совершенно другой и требует больших усилий.

Эта техника использовалась в Fayum Mummy Portraits из Египта около 100-300 AD , в Blachernitissa и других ранних иконах, а также во многих произведениях 20 века.

16. Картина гуашью:

Картина гуашью — это инновационный метод, который включает краску, состоящую из натурального пигмента, воды или любого связующего вещества (гуммиарабик или декстрин), а также инертного материала.

Используются пигменты на водной основе, у которых размер частиц больше, чем у акварельных.

История гуаши насчитывает 600 лет, года назад.

Цвета красиво сочетаются друг с другом, чтобы сделать искусство еще более красивым.

Этот вид живописи встречается редко и часто выглядит реалистично.

Гуашь похожа на акварель, ее можно смачивать повторно, и обычно она пропитывается бумажным носителем.

17. Температурная окраска:

Температурная окраска обычно представляет собой метод быстросохнущей окраски, при котором цветные пигменты растворяются в связующем на водной основе, особенно в клеевой среде, такой как яичный желток .

Темпера была наиболее последовательной формой живописи, пока в Европе в эпоху Возрождения она не была упразднена до выравнивания методом масляной живописи.

Темпура была найдена на украшениях египетских саркофагов начала года года. Темпера использовалась во многих портретах мумий Фаюма и иногда в сочетании с энкаустикой.

18. Цифровая живопись:

Цифровая живопись — это форма оцифрованных художественных работ, которые выполняются на компьютере, чтобы дать тот же эффект, что и масляная живопись, акрил или акварель.

Это легко сделать с помощью ректификации, чтобы придать идеальный вид.

Цифровая живопись не требует заботы о времени высыхания.

Цифровая живопись очень распространена и воплощает искусство в жизнь.

Концепции искусства варьируются от людей к людям, в зависимости от их мыслей.

19. Миниатюрная живопись:

Другое название Миниатюрная живопись — limning .

Миниатюрная роспись выполнена на пергаменте, подготовленном картоне, меди или слоновой кости.

Название происходит от минимума.

Использовался средневековыми осветителями.

Возникла в результате слияния отдельных традиций иллюминированной рукописи и медали.

Миниатюрная живопись расширилась с начала 16 века до середины 19 века.

20. Картина Каламкари:

Каламкари известна как древняя форма ручной росписи, выполненной на хлопчатобумажной или шелковой ткани с использованием тамариндового пера .

Происхождение Каламкари восходит к древнему персидскому языку , где «калам» означает перо , а «Кари» означает мастерство .

Для окраски рисунков на ткань извлекаются растительные красители, которые были известны в некоторых частях Индии, но стиль каламкари получил дальнейшее развитие в Калахасти в Индии.

Процесс проектирования включает 17 шагов .

В древние времена группа певцов, музыкантов и ремесленников, известная как читракаров , переезжала в разные деревни, чтобы рассказывать людям об индуистской мифологии.

Они рисовали иллюстрации на месте, используя чернила и красители, полученные из растений .

21. Warli Painting:

Warli Painting — это стиль живописи племенного искусства.

Он найден адиваси из хребта Северный Сахьядри в Индии.

Этот метод применяется к грубой основе из грязи с использованием различных цветов, таких как белый с редкими красными и желтыми точками.

Белый цвет получается при измельчении риса до белого порошка.

Одно из крупнейших племен Индии — Племя Варли , которое расположено за пределами Мумбаи.

Варли отвергает современную культуру, несмотря на то, что находится недалеко от одного из крупнейших городов Индии.

22. Phad Painting:

Phad Painting или Phad — это уникальный стиль религиозной росписи свитков и народной живописи, практикуемый в штате Раджастан.

Эта картина традиционно выполняется на длинном куске ткани или холста, известном как phad .

На фадах изображены портреты народных божеств Раджастана.

Бхопы несли с собой расписные фады.

Они использовали их и поклонялись им как храмам народных божеств.

Фады Пабуджи и Девнараяна обычно были около 15 и 30 футов в длину.

Фады окрашены растительными красками .

23. Мадху Бани Живопись:

Другой термин для Мадхубани — искусство Митхила, которое практикуется в регионе Митхила в Индии и Непале.

Этот вид росписи выполняется пальцами, кистью или даже ветками деревьев.

В качестве красителей использовались натуральные красители, а для рисования — спички.

Первоначально картина Мадхубани была разработана женщиной.

Он получил признание благодаря броским геометрическим узорам.

24. Ca v e Живопись:

Другой термин для наскальных рисунков — « Parietal art ».

Наскальные рисунки обычно встречаются на стенах и потолках пещер в доисторических местах.

Наскальные рисунки были найдены 40 000 лет назад в Евразии.

Наскальные рисунки не так хорошо видны, и кажется, что они пытались передать некоторую информацию в то время.

В пещере Габарнмунг найдены самые старые рисунки, возраст которых оценивается 28000 лет .

Из-за древности многие картины невозможно расшифровать должным образом.

25. Картина Гонд:

Картина Гонд в основном происходит из Мадхья-Прадеша.

Это форма народного и племенного искусства, которую практикует самое большое племя Индии.

Самым ярким аспектом картин Гонда должно быть использование ярких ярких цветов, таких как белый, красный, синий и желтый.

Краски обычно получают естественным путем из таких объектов, как древесный уголь, цветная почва, сок растений, листья и даже коровий навоз.

Цвета были получены из различного песочного желтого цвета из Чуй митти, который представляет собой тип местного песка, и коричневого из Геру митти, который представляет собой другой тип песка.

Другие цвета были получены из разных источников, например, зеленый цвет листьев и красный цвет цветка гибискуса.

Они использовали живопись как способ записать свою историю.

26. Живопись действия:

В картине действия искусство состоит из сильной привлекательности, обширных мазков и шансов капать и проливать цвета на холст.

Живопись действия была создана Гарольдом Розенбергом , который создал группу американских абстрактных экспрессионистов, использовавших эту технику 1950 года.

Творческое взаимодействие художника с материалами и создание великолепных работ на холсте определяет картину действия.

27. Воздушная перспектива:

Другой термин воздушной перспективы — Атмосферная перспектива .

Техника создания ощущения глубины или депрессии на картине путем изменения цветов для воспроизведения изменений, влияющих на атмосферу в цветах, которые можно увидеть на расстоянии.

Использование воздушной перспективы было известно еще до средневековья Европы.

Леонардо да Винчи использовал термин «воздушная перспектива» в своем исследовании живописи.

27. Anamorphis:

Anamorphis — это художественное произведение, инновационная техника перспективы, которая дает искаженное изображение объекта, изображенного на картинке.

Если смотреть под определенным углом или в изогнутом зеркале, искажение исчезает, и изображение на изображении выглядит нормально.

Произошло от греческого слова, означающего «преобразовывать».

Термин анаморфис впервые был использован в 17 веке.

28. Camaieu Painting:

Camaieu — это форма художественного произведения, которое выполнено либо полностью в оттенках, либо в оттенках одного цвета для представленного объекта или сцены.

Когда изображение отображается в сером цвете, оно называется гризайль , а желтое — как cirage.

Живопись Камаэ пришла из древнего мира.

Применялся в миниатюре для воспроизведения камей и скульптуры.

29. Казеиновая роспись:

Казеиновая роспись широко известна как метод, при котором краски смешиваются с казеином для создания картин.

Казеиновая краска состоит из фосфопротеинового молока , полученного при нагревании с кислотой или молочной кислотой .

Используя домашний творог из кислого обезжиренного молока, он был традиционным клеем и связующим веществом на протяжении более восьми веков.

В XIX и XX веках чистый казеин, смешанный с аммиаком, использовался в станковых и настенных росписях.

В последнее время очень широкое распространение получили готовые казеиновые краски.

Преимущество казеиновой живописи заключается в том, что она может создавать эффекты, похожие на масляную живопись.

В этой технике допускается использование щетинных кистей и умеренного импасто, как при рисовании маслом.

Казеиновая краска быстро сохнет и дает матовый эффект. .

После высыхания краска приобретает определенную водостойкость.

30. Светотень:

Эта техника используется в художественном произведении для представления света и тени, поскольку они определяют трехмерных объектов .

Это техника печати на гравюре на дереве, при которой световые эффекты и оттенки создаются путем печати с другого деревянного блока.

Впервые эта техника была использована в Италии в 16 веке, вероятно, гравером Уго да Карпи.

Ключевой блок был набран самым темным тоном и напечатан первым.

Некоторые доказательства показывают, что древнегреческие и римские художники использовали кьяроскуро.

Впервые эту технику применил Леонардо да Винчи в 15 веке.

31. Дивизионизм:

Методика разделения цветов на отдельные точки или штрихи пигмента .

Он лег в основу неоимпрессионизма.

Когда вы смотрите на картину на расстоянии, она смешивается и может восприниматься сетчаткой как светящееся целое.

Дивизионизм означает разделение цвета, а пуантилизм означает умение наносить точки.

32. Станковая живопись:

Станковая живопись — это стиль искусства, в котором исполнение основано на переносной опоре, такой как панель или холст.

Станковая живопись была известна еще древним египтянам и римскому ученому I века нашей эры.

Это стало относительно обычным явлением и, наконец, вытеснило фрески или настенную живопись.

33. Ракурс:

Ракурс — это творческий способ использования науки об «иллюзиях» в форме визуального искусства.

Это метод создания иллюзии сильно удаляющегося на заднем плане объекта.

Иллюзия объекта имеет тенденцию казаться короче, чем на самом деле.

Художники предполагают, что под разными углами искажение появляется, если объект смотреть на расстоянии.

Художники создают иллюзию реальности, которая, кажется, нарушает поверхность изображения или изменяет ее, уменьшая размер ближайшей части объекта, чтобы менее агрессивно атаковать глаз зрителя и лучше связать объект. гармонично остальная часть картины.

34. Граффити:

Это способ сообщить людям или адресовать любую информацию.

Несанкционированная разметка общественных мест является незаконной.

Это делается индивидуально или группой.

Стены обычно расписывают некоторые члены уличной банды, а некоторые граффити не имеют отношения к какой-либо банде. Это выразительный вид искусства.

Граффити также используется для привлечения внимания или как форма поиска острых ощущений.

Произведено от итальянского слова graffito, что означает «царапина».

35. Grisaille:

Искусство выполнения иллюстрации полностью в оттенках серого или для создания иллюзии скульптуры используется эта техника рисования.

В 15 веке его использовали фламандских художников .

В 18 веке для имитации классической скульптуры в отделке стен и потолка использовалась гризайль.

У большинства художников гризайль использовалась в искусстве окраски стекла для витражей.

36. Impasto:

Impasto — это тип живописи, благодаря которому произведение искусства кажется выделяющимся на поверхности.

Часто использовался для дублирования качества с нарушенной текстурой, качества светов.

В 17 веке была найдена техника Импасто.

Такие художники эпохи барокко, как Рембрандт , Франс Хальс и Диего Веласкес , умело использовали эту технику и применили эту технику для создания доспехов, украшений и богатых тканей.

Even Винсент Ван Гог использовал эту технику для создания различных картин.

Джексон Поллок и Виллем де Кунинг также использовали технику импасто, которая улучшила качество самих картин.

37. Настенная живопись:

Настенная живопись — это вид художественного произведения, при котором краска наносится непосредственно на стену, потолок или любую прочную поверхность.

Настенные росписи включают роспись на плитке, но не относятся к мозаичному декору.

Около 30 000 г. до н.э. г. фрески были найдены в пещере Шове в департаменте Ардеш на юге Франции.

Около 3150 г. до н.э. г. в древних египетских гробницах было найдено множество древних фресок.

38. Панно:

Эта техника была выполнена на жесткой основе — обычно на дереве или металле — в отличие от живописи, выполненной на холсте.

Панно служило опорой для станковой живописи до того, как холст вошел в широкое употребление в конце 16 века.

Бук, кедр, каштан, ель, лиственница, липа, белый тополь, красное дерево, оливковое дерево, темный орех и тик — это породы дерева, которые использовались при росписи панелей.

Чтобы удалить смолу и смолу, деревянные панели обычно кипятили или пропаривали, а затем деревянные панели покрывали клеевым материалом и гипсом, чтобы заполнить поры, на которых была выполнена роспись.

Серебро, олово, свинец и цинк также использовались для росписи панно.

39. Панорама:

В этом стиле картина наносится на плоскую или изогнутую поверхность, которая обычно представляет собой непрерывную или пейзажную сцену, и она окружена или развернута перед зрителем.

Написано в широкой и прямой манере, связанной со сценой или драматической живописью.

Панорама стала популярной в XVIII и XIX веках, где по сути была предшественницей стереоптикума и кино.

Панорамы были представлены на стенах большого цилиндра, старая версия панорамы диаметром около 60 футов и новая версия панорамы диаметром около 130 футов.

Человек должен встать в центре платформы и повернуться, чтобы увидеть все точки горизонта.

40. Перспективная живопись:

Перспективная живопись в основном основана на идее восприятия зрителя.

У каждого может быть свой уникальный взгляд на это.

Это техника создания трехмерного объекта графически и пространственных отношений на двухмерной плоскости или эта плоскость является более поверхностной, чем оригинал.

Это способ представить пространство и объем, смешанные в определенное время и из фиксированной позиции.

Начиная с эпохи Возрождения, китайская и большая часть западной живописи выполнена в этой технике.

Эта техника передает ощущение того, что объекты и их окружение были сжаты в пределах поверхностного пространства за изображением.

41. Пленэрная живопись:

Практика написания пейзажей на открытом воздухе, достижение интенсивного впечатления от пленэра в пейзажной живописи.

Во Франции середины XIX века художники практиковали наброски пейзажных сюжетов на улице и заканчивали свои картины в мастерской.

42. Свиток:

Это вид искусства, который в основном практиковался в Восточной Азии .

Два основных типа свитков — это китайских пейзажных свитков , которые внесли большой вклад в историю живописи.

Еще один — японских повествовательных свитков , пропагандирующих искусство рассказывания историй через картины.

Предшественники повествовательных свитков относятся к 4 веку нашей эры и преподают буддийские уроки морали.

Свиток просматривается на столе и открывается справа налево.

Makimono , который также известен как пейзажная ручная прокрутка, состоит из повествовательной формы, а не изображений.

Он стал популярен в 10-м и 11-м веках у таких мастеров, как Сюй Даонин и Фань Куань .

Человек, увидевший свиток, чувствует себя путешественником.

Это дает ощущение движения в пространстве и времени.

43.Sfumato:

Эта форма рисования хорошо известна как техника для смягчения переходов между цветами, в основном для имитации области, недоступной для восприятия человеческим глазом.

Техника заключалась в смешивании цветов без использования линий или границ, как описано в Леонардо да Винчи .

Последователи Леонардо да Винчи сделали тонкие градации без каких-либо линий или границ и сделали более темные области.

Эта техника использовалась для создания более специфических черт лица и атмосферных эффектов.

44. Сграффито:

Эта техника в основном используется в росписи , керамике и стекле .

Он заключается в покрытии одного слоя другим и последующем удалении поверхностного слоя таким образом, чтобы узор или форма имели более низкий цвет.

В витражах они использовали для удаления верхнего слоя цветного стекла и демонстрации прозрачного стекла под ним.

В гончарном деле это было через белую или цветную полоску, которая представляет собой смесь глины и воды и показывает цвет тела.

Он был изготовлен исламскими гончарами и стал популярным на Ближнем Востоке.

45. Сотто ин су:

Сотто ин су — это техника, при которой произведения искусства рисуются на потолке или другой более высокой поверхности, чтобы создать у зрителя эффект иллюзии.

В Италии к нему подходили многие художники эпохи барокко и рококо эпохи Возрождения.

Андреа Мантенья, Джулио Романо, Корреджо и Джованни Баттиста Тьеполо были мастерами этой техники.

46.Ташизм:

Ташизм — это французский стиль рисования, слово происходит от французского слова «таше», что означает пятно .

Этот стиль живописи практиковался в Париже после Второй мировой войны и в течение 1950-х годов, который, как и его американский аналог, живопись «Экшн», отличался интуитивным, спонтанным движением кисти художника.

Ташизм был реакцией на Кубизм .

Он был получен с помощью капель и капель краски прямо из тюбика, а иногда и каллиграфических каракулей.

Art Informel был вдохновлен инстинктивным подходом, в котором индивидуальный подход современного американского абстрактного экспрессионизма имел один аспект как живопись действия.

47. Тенебризм:

Тенебризм также известен как драматическое освещение, — это стиль живописи, в котором темнота является краеугольным камнем произведения искусства.

В западной истории использование крайнего света и темноты используется в композициях, чтобы сделать картины более драматичными.

Это было создано итальянским художником Караваджо и было продвинуто влиятельными лицами в 17 веке.

48. Trompe l’oeil:

Trompe l’oeil — это искусство создания высокореалистичных изображений, создающих ощущение, будто изображение существует в трех измерениях.

Известно, что этот вид искусства создает оптическую иллюзию для зрителей.

К идее подошли древние греки, которые были новичками в традиционной стилизации более раннего искусства.

Например, Zeuxis нарисовал виноград настолько реалистично, что птицы пытались им питаться.

В Америке в 19 веке художник по имени Уильям Харнетт прославился своими картинами с колодой неподвижных карт.

Картина была настолько реалистичной, что зрители убедились, что карты можно было уловить по изображению зрелища.

49. Водосмешиваемые масляные краски:

Другое название водосмешиваемых масляных красок — водорастворимые или водосмешиваемые .

Это современный способ нанесения масляной краски, которую можно разбавлять и смывать водой.

Нет необходимости использовать химические вещества, такие как скипидар.

Эту краску можно смешивать и наносить по той же технике, что и масляную краску .

Краску можно удалить кистью, палитрой и тряпкой с мылом или водой, пока краска еще влажная.

Растворимость в воде обусловлена ​​масляной средой, в которой один конец молекулы адаптирован для покрытия молекул воды в растворе.

Заключение:

Живопись — одно из таких творческих начинаний, которое требует от человека раскопки самых сокровенных мыслей, заложенных в его сознании.

Это одно из таких творческих направлений, которое обладает огромным инновационным и универсальным потенциалом.

С другой стороны, овладение им требует большой отдачи и повторения.

Художники, установившие стандарты, потратили годы на мельчайшие детали, которые сами по себе сделали произведение знаковым.

Некоторые древние произведения искусства все еще существуют в мире и продолжают вдохновлять миллионы!

Какие еще типы картин вы знаете?

Какой стиль и техника рисования вам нравятся больше всего?

Сообщите нам об этом, поделившись своим мнением в разделе комментариев ниже.

Спасибо за чтение! Надеюсь, вам понравилось!

НАЧАЛО РАБОТЫ

10 типов абстрактного искусства, которые нужно знать и использовать в своих проектах

Абстрактное искусство может показаться эксцентричным, но оно гораздо полезнее, чем вы думаете.Вот десять видов абстрактного искусства, которые вы должны знать и использовать в своих проектах.

Читайте дальше, чтобы узнать больше о различных типах абстрактного искусства — от кубизма до сюрреализма, от мраморности до абстрактной органики — и о том, какие стили переосмысляются в современном дизайне, а также о том, как вы можете использовать абстрактные изображения в своих собственных проектах.

Что такое абстрактное искусство?

В то время как реалистическое искусство пытается представить реальную реальность, абстрактное искусство стремится к прямо противоположному.Ранние абстрактные художники, работавшие в конце 19 — начале 20 веков, использовали цвет, форму, форму и линии для создания картин, скульптур и рисунков, которые целенаправленно чувствовали себя независимыми от идентифицируемых объектов, пейзажей и людей. Абстракция дала художникам новый уровень свободы для экспериментов с художественными методами и позволила этим художникам изменить традиционное значение понятия «искусство».

Посетители Музея современного искусства в Нью-Йорке рассматривают картину абстрактного художника Джексона Поллока.Изображение Бамбл Ди.

Абстрактное искусство шло рука об руку с развитием модернизма и постмодернизма, междисциплинарных движений, которые поощряли отход от традиционных подходов, стилей и способов мышления, унаследованных от эпох Возрождения, раннего модерна и викторианской эпохи.

В течение 20 века ряд движений защищал и выдвигал интерпретации абстрактного искусства, включая сюрреализм, дадаизм, кубизм и фовизм. Такие художники, как Пабло Пикассо, Пит Мондриан, Василий Кандинский, Барбара Хепворт и многие другие изобрели и усовершенствовали свои собственные версии абстракции, в результате чего картины и скульптуры сегодня считаются шедеврами.

Для современных дизайнеров абстрактное искусство — это термин, охватывающий огромное количество различных стилей и художественных подходов. Однако, как правило, все стремятся представить творчество, визуальность и художественное выражение нереалистично.

Почему абстрактные изображения полезны в дизайн-проектах?

Многие важные направления графического дизайна, такие как швейцарский стиль 1950-х годов, стиль Мемфиса 1980-х и минимализм 1990-х годов, заимствовали свои реплики из мира абстрактного искусства.Геометрические формы, минималистичные макеты и яркие цвета — все это отличительные черты.

В течение 20-го века графический дизайн постоянно обращался к стилям абстрактного искусства, чтобы информировать коммерческую работу для плакатов, журналов, упаковки и брендинга. Почему абстрактное искусство так привлекает дизайнеров?

Во-первых, абстрактное искусство невероятно многогранно. Поскольку реальные объекты или люди не представлены в абстрактных изображениях, дизайнеры могут применять эти стили изображений к широкому кругу проектов.Абстракция делает акцент на визуальном настроении и индивидуальности изображения, а не на реалистическом содержании. Таким образом, дизайнер может придать дизайну определенный вид, манипулируя цветом, формой и узором, сохраняя при этом нейтральность в дизайне.

Во-вторых, абстрактные образы обладают психологической силой. Ряд исследований показал, что абстрактное искусство может оказывать значительное эмоциональное воздействие на зрителя, возможно, отчасти потому, что абстракция освобождает мозг от доминирования над реальностью.Исследование 2012 года установило прямую связь между просмотром абстрактного искусства и чувством удовольствия. Помня об этом, опытные дизайнеры и бренды могут использовать абстрактные изображения, чтобы манипулировать настроением зрителя и даже повысить вероятность покупки продукта.

Зрители смотрят на абстрактную картину на выставке в Болонье, Италия. Изображение от starmaro.

Наконец, абстрактные образы связаны с современностью и авангардом в общественном восприятии. Компании, которые хотели бы быть связаны с чувством современности и новаторским подходом, часто используют абстрактные образы в своем брендинге и маркетинге.

Ниже вы узнаете о десяти стилях абстрактного искусства, на которые постоянно опираются дизайнеры, привнося творческий потенциал, красоту и интерес в коммерческие проекты, а также о нашем редактировании лучших изображений для экспериментов для упаковки, веб-дизайна и печати.

1. Брызги, капли и брызги краски

Вдохновленный работами американского абстрактного экспрессиониста Джексона Поллока, изображения брызг краски и текстуры капель привносят эклектичный и энергичный вид в дизайнерские проекты.Эти типы изображений особенно красивы в качестве фона для упаковки и крупномасштабных печатных дизайнов, таких как плакаты и баннеры, придают макетам цвет, текстуру и движение, создавая при этом удивительно однородный и универсальный фон для типографики и логотипов.

Изображение Juhku. Изображение Ensuper. Изображение Ксении Мартьяновой. Эти различные фактурные техники придают вашему дизайну энергичность и эклектичность. Изображение им классное.

2.Цвет блока

Искусство вышло на новый уровень абстракции благодаря работам американского художника Марка Ротко, известного своими масштабными картинами «Цветовое поле». Его монументальные полотна раскрывают психологический и драматический потенциал блочного цвета.

Чтобы воплотить блочный цвет в своих проектах, обратите внимание на Ротко, а также на работы голландского художника Пита Мондриана, одного из первых сторонников современного абстрактного искусства, для красочного графического вдохновения.

Оба этих художника были ключевыми источниками вдохновения для дизайнеров международного, или швейцарского, стиля 1950-х годов.И неудивительно — простые цветные блоки создают простой и потрясающий фон для макетов на основе сетки.

Изображение сделано Харе Кришна. Изображение V.stock. Изображение Рэйчел Брюнетт. Эти простые цветные блоки создают потрясающий фоновый дизайн. Изображение SOMMAI.

3. Мрамор

Суминагаси, древнее искусство японского мрамора, возможно, является одной из самых ранних форм абстрактного искусства, первый известный образец относится к 10 веку.

Художник наносит цветные чернила на воду перед тем, как перенести их на впитывающую поверхность, например бумагу или ткань. Каждый образец мрамора уникален, а результаты получаются невероятно красивыми и абстрактными.

Поскольку мраморная бумага использовалась в производстве книг в 18-19 веках, этот художественный стиль прочно ассоциируется с издательским делом и интеллектуализмом. Попробуйте использовать мраморный фон в дизайне книг или канцелярских принадлежностей или используйте на веб-сайтах, чтобы придать цифровому дизайну больше тактильного качества.

Изображение мисс Смайл. Изображение CARACOLLA. Изображение Лейлы Дивайн. Мраморные фоны позволяют создавать красивый и оригинальный дизайн книг, канцелярских товаров и веб-сайтов. Изображение предоставлено Prostock-studio.

4. Кубизм

В начале 20 века художники Пабло Пикассо и Жорж Брак стремились одновременно представить все возможные точки зрения на предмет или объект. Результатом эксперимента стал кубизм, стиль абстрактного искусства, в котором слабо идентифицируемые предметы выглядят фрагментированными и геометрическими.

Этот стиль был разработан русским художником Василием Кандинским, который абстрагировался от кубизма и считается многими искусствоведами пионером нефигуративного искусства.

Сегодня дизайнеры могут обновить кубизм с помощью низкополигональных фонов и архитектурных плоскостей, придавая трехмерное качество иммерсивности фоновым текстурам, векторным иллюстрациям и дизайнам приложений.

Изображение сделано Харе Кришна. Изображение предоставлено Unconventional. Созданные под влиянием кубизма и нефигуративного искусства, эти низкополигональные конструкции и архитектурные плоскости станут отличной отправной точкой для вашего проекта.Изображение Сакэмомо.

5. Штриховая графика

Каталонский художник Жоан Миро сочетал абстрактные линейные рисунки и картины с сюрреалистическим сюжетом. Большая часть его работ использовала или находилась под влиянием процесса печати литографии, что, возможно, способствовало графическому восприятию его искусства.

Абстрактное линейное искусство, в котором простые непрерывные линии использовались для создания форм и форм, является отличительной чертой работ Миро и многих других абстрактных художников, работавших в 1950-х и 1960-х годах.

Line art прекрасна своей простотой и может использоваться дизайнерами для передачи концепций, а также для создания значков и логотипов.

Изображение Dinni91. Изображение предоставлено abstract_art7. Простота абстрактных линий идеально подходит для значков и логотипов. Изображение tutsi.

6. Мемфисский стиль

Эклектичный стиль Мемфис является результатом движения, инициированного группой итальянских дизайнеров, архитекторов и художников в начале 1980-х годов.Стиль Мемфис подчеркивает геометрию, смелые цвета и узор и затрагивает целый ряд художественных стилей от ар-деко до китча.

Одни критики считают его безвкусным, другие любят веселую и экспериментальную энергию Мемфиса. Современные дизайнеры заново открыли для себя и возродили стиль Мемфис, и это оптимистичное и радостное настроение стиля, которое бренды сочли эффективным для привлечения и преобразования клиентов.

В этом году возрождение Мемфисского стиля переходит на трехмерную территорию.Созданные с помощью САПР рендеры и потрясающие 3D-фоны придают стилю новое преимущество.

Изображение Bug_Fish. Изображение Ю.О. Чеха. Изображение предоставлено local_doctor. Эти плоские и трехмерные модели в стиле Мемфис возродились в мире искусства. Изображение предоставлено Ozz Design.

7. Абстрактная органика

Плавные, изогнутые формы и приглушенные цвета середины века — отличительные черты стиля абстрактного органического искусства. Такие художники, как Чарльз и Рэй Имз, пересмотрели и переосмыслили местные художественные стили 1950-х годов, в результате чего были созданы органические формы и акцент на натуральных материалах, текстурах и цветах.

Легкая элегантность абстрактного органического стиля сделала его неизменным фаворитом среди дизайнеров на протяжении десятилетий, многие из которых используют этот стиль для брендинга, рекламы и упаковки.

Наивно нарисованные, органичные формы и иллюстрации могут работать как стильный плоский дизайн. Или попробуйте разместить абстрактные 3D-иллюстрации в качестве фона для макетов веб-сайтов.

Изображение KarolinaCloud. Изображение предоставлено SF Stock. Эти абстрактные, органические художественные стили станут шикарным дополнением к любому дизайну веб-сайта.Изображение предоставлено Media Whalestock.

8. Полутона

Полутона описывает эффект точек, создаваемый при печати, путем разделения изображения на серию точек. Эффект был воспроизведен такими поп-артистами, как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн. В 1960-х и 1970-х годах эти художники часто стремились сделать свои работы похожими на рекламные щиты в газетах.

Дизайнеры могут придать макетам нотку ретро, ​​используя полутоновые фоны или наложения. Или попробуйте поэкспериментировать с изменяющимся дизайном полутонов, чтобы добавить текстуры и интереса к градиентному дизайну.Яркие привлекательные цвета — естественный партнер для этого эффекта, вдохновленного поп-артом, или выберите монохромный, чтобы подчеркнуть его газетное наследие.

Изображение Spietsen. Изображение Vanzyst. Полутоновые текстуры создают эффект в стиле поп-арт. Изображение от jumpingsack.

9. Сюрреализм

Хотя сюрреалистическое искусство не является строго абстрактным, оно направлено на достижение искаженной версии реальности путем манипулирования реалистическими образами. Такие художники, как Сальвадор Дали, Рене Магритт и Фрида Кало, испытали влияние психоанализа, растущей области исследования и практики в начале 20 века.Их картины и скульптуры стремились расширить творческий потенциал разума путем сопоставления образов, которые казались иррациональными и нетрадиционными.

Хотя позже он был устаревшим абстрактным модернистским искусством, сюрреализм и сегодня продолжает вдохновлять художников и дизайнеров, которые ценят этот стиль за его способность удивлять и восхищать зрителя.

Чтобы направить сюрреализм в свои проекты, ищите нестандартные изображения статуй, предметов и людей. Найдите дизайны, в которых используются искажения, склейки или необычные концепции, чтобы предложить что-то уникальное для редакционных дизайнов, плакатов и изображений веб-сайтов.

Изображение предоставлено frankie’s. Изображение Zamurovic Photography. Изображение Фриды Мишо. Необычные концепции творят чудеса с постерами, редакционным дизайном и изображениями для веб-сайтов. Изображение Тити Луадтонг.

10. Абстрактный рельеф и скульптура

Живопись часто рассматривается как доминирующее средство абстрактного искусства. Однако многие художники обращались к скульптуре и рельефу, чтобы воплотить абстрактные концепции в трехмерную форму.

Обратитесь к британской скульптуре Барбаре Хепуорт за абсолютным абстрактным вдохновением.Ее монументальные скульптуры, отлитые из металла, камня и дерева, представляют собой вершину модернистских достижений между 1930-ми и 1960-ми годами.

Даже плоский дизайн выиграет от трехмерных текстур и рельефных изображений, вдохновленных Хепуорт и ее современниками. Просмотрите нашу редакцию лучших абстрактных рельефных изображений, идеально подходящую для добавления динамизма и роскоши фону.

Изображение предоставлено pernsanitfoto. Изображение предоставлено wacomka. Абстрактные рельефные изображения добавляют динамичной роскоши фону.Изображение предоставлено Evannovostro.

Ищете больше художественного вдохновения? От известных художников, которые решили работать из домашних студий, до художников, определяющих современную дизайнерскую сцену Японии, — откройте для себя что-то творческое, что вдохновит вас сегодня:

Изображение на обложке — KarolinaCloud.

: Изобразительное искусство :: Культура и искусство :: Россия-Инфоцентр

Гжель — это название живописного района, расположенного примерно в 60 км к юго-востоку от Москвы, где производят знаменитую гжельскую керамику.Керамику Гжели можно охарактеризовать как фаянс или майолику — разновидность керамики из обожженной белой глины, покрытой расписной глазурью. Традиционно голубой и темно-синий орнамент и растительный орнамент на фоне белой глазури делают гжель легко узнаваемой.

Гжель продолжает древнерусские традиции народного декоративно-прикладного искусства. Каждое изделие гжельские мастера расписывают исключительно вручную. Картина выполнена кобальтом, который в технологическом процессе приобретает характерный синий цвет.

Слово «гжель» сейчас очень популярно, ассоциируясь с красотой и гармонией, сказкой и реальностью. Самобытный русский фарфор с витиеватой голубой росписью и разноцветная майолика теперь хорошо известны не только в России, но и за ее пределами. Произведения искусства Гжели привлекают ценителей прекрасного богатой фантазией и высоким мастерством их создателей. Гжель считается колыбелью и главным центром русской керамики. Здесь проявились его лучшие черты и развились высшие достижения народного искусства.

Так сколько же лет этому русскому народному ремеслу?

Археологические исследования на территории Гжельского района подтверждают существование там гончарных изделий с начала 14 века. Это неудивительно, ведь земля Гжели всегда была богата лесами, реками и высококачественными глинами. С них Гжель претерпевала различные периоды своей шестивековой истории.

На протяжении веков гжельские крестьяне изготавливали домашнюю керамику, изразцы и изразцы. Со второй половины 18 века Гжель прославилась производством фаянсовой майолики.Это были изделия из цветной глины с яркой разноцветной росписью по белой глазури. В XIX веке мастера Гжели разработали новые для себя материалы и технологии: сначала изготавливали полуфаянс, затем фаянс и, наконец, фарфор. Особый интерес вызвали работы с одноцветной росписью: синяя подглазурная краска наносилась кистью с детальным графическим изображением деталей. Многочисленные мелкие производства и крупные предприятия занимались производством фарфора и фаянсовой керамики.

Конец XIX — начало ХХ века стал периодом глубокого кризиса для декоративно-прикладного искусства Гжели. Казалось, он умер навсегда.

Однако послевоенное время ознаменовалось возрождением этого ремесла и поиском его нового образного и фигурного языка. На это ушли годы кропотливой работы и воспитания новых мастеров. В конце концов, это принесло успех.

В 1972 году на базе шести мелких производств, расположенных в нескольких селах, было создано объединение «Гжель». Творческие коллективы разработали новые образцы.Создавались абсолютно новые формы предметов. Картина стала богаче и художественно современнее.

Сегодня Объединение «Гжель» — это современное предприятие, состоящее из 6 заводов с общим штатом около 1500 высококвалифицированных специалистов: художников, скульпторов, технологов. Здесь производят гжельские вазы, статуэтки, игрушки, предметы интерьера, такие как камины, люстры и другую фарфоровую посуду. Продукция Гжели пользуется устойчивым спросом на рынке России и за рубежом.

Гжель сегодня — это целый кружок гжельской керамики, от детского сада и школы до Гжельского художественного училища и аспирантуры в Москве.

Подробнее о русских сувенирах …

Купить русские сувениры

Источники :
russia.rin.ru
xydo.ru
arthania.ru

типов художников | Работа

Рисование — одно из первых навыков, которым овладевают дети. Часто они учатся рисовать — в действительности они балуют или рисуют цвет на какой-либо поверхности — прежде чем научатся читать и писать. Как карьера, живопись может быть одной из самых конкурентоспособных профессий.Вы должны развить серьезные индивидуальные навыки, которые все еще могут обеспечить жизнь во время тяжелой рецессии. Независимо от того, работает ли он на производстве или в одинокой студии, художник должен быть дисциплинированным и иметь высокую мотивацию.

Изобразительное искусство

Леонардо да Винчи или Пабло Пикассо рождаются с высочайшим талантом до того, как научатся его развивать. Диплом в художественном колледже может выявить этот врожденный гений. Но карьера художника требует самоотверженности и изоляции. Поэтому, чтобы не работать в вакууме, поддерживайте контакты со старыми друзьями-студентами, галереями, художественными изданиями и особенно создателями картин, которые могут улучшить вашу работу.Также неплохо научиться блестяще рисовать на планшетном компьютере.

Реставрация

Реставрация живописи — это искусство и наука. Его цель — вернуть старые картины и исторические объекты в максимально возможное состояние, близкое к их первоначальному состоянию. Академии искусств и университеты по всему миру предлагают трех-четырехлетние курсы по этому предмету. Понимание искусства, истории искусства и некоторых наук о технике рисования имеет важное значение. Также лучше всего изучать предмет в той стране, искусство которой вас интересует.

Дизайн

Не ограничивайте свою карьеру художника созданием изобразительного искусства на холсте. Индустрия моды и дизайна интерьеров открывает перед художниками множество возможностей. Вы производите новые модели тканей, стекло, посуду, мебель и отделку стен, а также обои и дизайн плакатов. Диплом гуманитарного колледжа дает квалификацию для работы в этой области, но талантливый любитель может создавать интересные проекты дома и, возможно, создать небольшой бизнес по их продаже.

Декорирование

Роспись домашнего декора — одна из тех работ, которые большинство людей пробуют хотя бы раз в жизни, а потом решают никогда не повторять.Это умелое ремесло, поэтому лучшая тренировка для него — это работа. Художнику / декоратору необходимо понимание тщательной подготовки поверхностей, ухода за всеми инструментами, внимание к деталям и большое терпение. Вы можете научиться этому ремеслу в любом возрасте — после окончания школы, в середине карьеры или на пенсии. Членство в профессиональных и региональных ассоциациях означает признание особых навыков любого мастера.

Промышленность

Промышленная окраска — еще одно квалифицированное ремесло, которое применяется при отделке и защите зданий, промышленных предприятий и сооружений.Сюда входят внешние конструкции, такие как мосты и туннели, а также автомобили, самолеты и все виды инструментов и приспособлений. Живопись придает конечному продукту украшение и привлекательный вид. Но его реальная ценность заключается в защите поверхности объекта от эрозии и разрушения из-за использования и экстремальных погодных условий. Промышленным малярам необходимо знать, как подготовить множество различных типов поверхностей перед нанесением слоев краски. Лучший способ стать промышленным художником — пройти обучение на рабочем месте после окончания средней школы.

Китайская живопись | Британника

Китайская живопись , один из основных видов искусства, созданных в Китае на протяжении веков.

Британская викторина

Изучение Китая: факт или вымысел?

В Китае проживает около половины населения мира.

Прочие искусства Китая рассматриваются в отдельных статьях.К ним относятся китайская каллиграфия, которая в Китае тесно связана с живописью; дизайн интерьера; гобелен; цветочный декор; Китайская керамика; металлоконструкции; эмаль; и лакировка; а также китайский нефрит; шелк; и китайская архитектура.

Нынешние политические границы Китая, включающие Тибет, Внутреннюю Монголию, Синьцзян и северо-восточные провинции, ранее называвшиеся Маньчжурией, охватывают гораздо большую территорию Восточной Азии, чем будет обсуждаться здесь. «Собственно Китай», как его называли, состоит из 18 исторических провинций, ограниченных Тибетским плато на западе, Гоби на севере и Мьянмой (Бирмой), Лаосом и Вьетнамом на юго-западе, и в первую очередь это живопись в том виде, в каком она была разработана в собственно Китае, о которой мы поговорим здесь.( См. Также Искусство Центральной Азии и Искусство Юго-Восточной Азии.)

Первые общины, которые могут быть идентифицированы в культурном отношении как китайские, были заселены в основном в бассейне Хуанхэ (Хуанхэ). Постепенно они распространились, оказывая влияние на другие племенные культуры, пока во времена династии Хань (206–220 гг. До н. Э.) В большей части самого Китая доминировала культура, сформировавшаяся в колыбели северной китайской цивилизации. В этой области постепенно распространился общий письменный язык, общая вера в силу небес и духов предков, влияющих на живущих, и общий акцент на важности церемонии и жертвоприношения для достижения гармонии между небом, природой и человечеством.Эти верования должны были оказать большое влияние на характер китайской живописи, да и вообще на все искусство Китая.

Получите эксклюзивный доступ к контенту нашего 1768 First Edition с подпиской.
Подпишитесь сегодня

Китайская цивилизация отнюдь не самая древняя в мире: цивилизации Месопотамии и Египта намного старше. Но в то время как ранние западные культуры умерли, стали застойными или трансформировались до такой степени, что нарушили всякую преемственность, культура Китая непрерывно росла из доисторических поселений в великую современную цивилизацию.

Сами китайцы были одними из наиболее исторически сознательных из всех основных цивилизаций и были глубоко осведомлены о силе и непрерывности своих культурных традиций. Они рассматривали историю как цикл упадка и обновления, связанный с сменой правящих династий. И политическая раздробленность, и социальный и экономический хаос упадка, и энергия династического обновления могут стимулировать и окрашивать важные художественные достижения. Таким образом, вполне законно думать об истории китайской живописи в первую очередь с точки зрения стилей сменяющих друг друга династий, как это делают сами китайцы.

Общие характеристики

Эстетические характеристики и художественные традиции

Искусство как отражение китайской классовой структуры

Одной из выдающихся характеристик китайского искусства является то, насколько оно отражает классовую структуру, существовавшую в разные периоды китайской истории. Вплоть до периода Воюющих царств (475–221 гг. До н. Э.) Искусство создавалось анонимными мастерами для королевских и феодальных дворов. В период Сражающихся царств и династии Хань (206–220 гг. До н. Э.) Рост землевладельцев и торговцев принес новых покровителей.После Хань стало появляться понятие «изящное искусство» как продукт досуга образованных дворян, многие из которых были любителями искусства поэзии, музыки, каллиграфии и, в конечном итоге, живописи. В это время начали возникать различия между профессиональным художником низшего класса и элитным художником-любителем; это различие будет иметь большое влияние на характер китайского искусства в более поздние времена. Постепенно одна традиция стала отождествляться с художниками и мастерами, которые работали при дворе или продавали свои работы ради прибыли.Ученые-любители смотрели на таких людей с некоторым презрением, и искусство литераторов стало отдельной традицией, которая становилась все более и более утонченной и разреженной до такой степени, что, начиная с династии Сун (960–1279) и далее, предполагаемая неуклюжесть в технике вызывала восхищение. как знак любителя и джентльмена. Одним из следствий революций 20-го века стало разрушение классовых барьеров между любителями и профессионалами и даже во время Культурной революции 1966–76 годов акцент на анонимном пролетарском искусстве, подобном искусству династии Тан (618). –907) и ранее.

Лингвистика | наука | Британника

Языкознание , научное изучение языка. Это слово впервые было использовано в середине XIX века, чтобы подчеркнуть разницу между новым подходом к изучению языка, который тогда развивался, и более традиционным подходом филологии. Различия были и остаются в основном вопросом отношения, акцента и цели. Филолог в первую очередь занимается историческим развитием языков, которое проявляется в письменных текстах и ​​в контексте связанной с ними литературы и культуры.Лингвист, хотя его могут интересовать письменные тексты и развитие языков с течением времени, склонен отдавать приоритет разговорным языкам и проблемам их анализа в том виде, в каком они действуют в данный момент времени.

Сфера лингвистики может быть разделена на три дихотомии: синхроническая и диахроническая, теоретическая и прикладная, микролингвистика и макролингвистика. Синхронное описание языка описывает язык таким, каким он является в данный момент; Диахроническое описание касается исторического развития языка и структурных изменений, которые в нем произошли.Целью теоретической лингвистики является построение общей теории структуры языка или общей теоретической основы для описания языков; Целью прикладной лингвистики является применение результатов и методов научного изучения языка для решения практических задач, особенно для разработки усовершенствованных методов обучения языку. Термины «микролингвистика» и «макролингвистика» еще не получили широкого распространения и фактически используются здесь исключительно для удобства.Первый относится к более узкому, а второй — к гораздо более широкому взгляду на сферу лингвистики. Согласно микролингвистической точке зрения, языки следует анализировать ради самих себя и без привязки к их социальной функции, к тому, как они усваиваются детьми, к психологическим механизмам, лежащим в основе производства и восприятия речи, к литературным и языковым особенностям. эстетическая или коммуникативная функция языка и т. д. Напротив, макролингвистика охватывает все эти аспекты языка.Терминологическое признание получили различные области макролингвистики: психолингвистика, социолингвистика, антропологическая лингвистика, диалектология, математическая и компьютерная лингвистика и стилистика. Макролингвистику нельзя отождествлять с прикладной лингвистикой. Применение лингвистических методов и концепций к обучению языку может включать другие дисциплины, чего не делает микролингвистика. Но, в принципе, в каждой области макролингвистики есть теоретический аспект, равно как и в микролингвистике.

Большая часть этой статьи посвящена теоретической синхронной микролингвистике, которая обычно считается центральной частью предмета; впредь оно будет сокращаться как теоретическая лингвистика.

История языкознания

Более ранняя история

Незападные традиции

Лингвистические спекуляции и исследования, насколько известно, проводились лишь в небольшом количестве обществ. В той мере, в какой изучение месопотамского, китайского и арабского языков касалось грамматики, их подходы были настолько связаны с особенностями этих языков и были так мало известны европейскому миру до недавнего времени, что практически не оказали влияния на западные лингвистические традиции.Китайская лингвистическая и филологическая наука насчитывает более двух тысячелетий, но интерес этих ученых был в основном сосредоточен на фонетике, письме и лексикографии; их рассмотрение грамматических проблем было тесно связано с изучением логики.

Получите эксклюзивный доступ к контенту нашего 1768 First Edition с подпиской.
Подпишитесь сегодня

Безусловно, самая интересная незападная грамматическая традиция — и самая оригинальная и независимая — это индийская, которая насчитывает по крайней мере два с половиной тысячелетия и завершается грамматикой Панини V века до нашей эры.Санскритская традиция повлияла на современные лингвистические науки тремя основными способами. Как только санскрит стал известен западному ученому миру, последовал распад сравнительной индоевропейской грамматики, и были заложены основы всей системы сравнительной филологии и исторического языкознания XIX века. Но для этого санскрит был просто частью данных; Грамматика в Индии почти не играла непосредственной роли. Однако исследователи девятнадцатого века признали, что местная традиция фонетики в древней Индии значительно превосходила западные знания, и это имело важные последствия для роста науки фонетики на Западе.В-третьих, в правилах или определениях (сутрах) Панини есть замечательно тонкий и проницательный отчет о грамматике санскрита. Построение предложений, составных существительных и т. Д. Объясняется с помощью упорядоченных правил, действующих на лежащие в основе структуры, в манере, поразительно похожей отчасти на способы современной теории. Как можно было представить, эта проницательная индийская грамматическая работа вызвала большой интерес у лингвистов-теоретиков ХХ века. Изучение индийской логики в отношении панинианской грамматики наряду с аристотелевской и западной логикой в ​​отношении греческой грамматики и ее последователей могло бы пролить свет на понимание.

В то время как в древнем китайском обучении отдельная область обучения, которую можно было бы назвать грамматикой, почти не прижилась, в древней Индии сложная версия этой дисциплины развивалась рано вместе с другими науками.